Secuestro / Ca$h (Crítica)
9/2/2020
Se dice que el teatro es el reflejo de la sociedad. Esta frase nunca ha sido tan cierta como con la obra Ca$h, ahora Secuestro en su segunda temporada. Y admitir esta situación es algo demasiado doloroso para su servidor. Pero de igual manera, por como nos quieren vender la situación actual, es el deber de los creadores y artistas ser el grito de denuncia. Tal vez lo diga mil veces, pero gracias por partirse el alma en el escenario para hacernos decir BASTA.
Nos vemos situados en una bodega donde tres amigos van a comprar una guitarra. Algo muy normal, todos confiamos en el hermano mexicano. Cruel giro del destino podríamos decir, pero la situación se esta convirtiendo en el pan nuestro de cada día. Ya no es raro conocer a alguien a quien asaltaron, alguien a quien secuestraron o peor aún. Así es la premisa de Secuestro.
La dirección de Rafael Perrin es idónea para la falta de atención del publico joven actual. Dinámica, llena de acción, de momentos de tensión; el público es un rehén más de la obra gracias al jugo que le saca a sus herramientas en escena.
Luis Fernando Peña muestra que es más que una película en esta obra. Si nunca lo han visto en teatro esta es una obra en la que lo redescubrirán. Si son actores o aspirantes es una obligación ver la catedra que da en improvisación, dominio escénico, del público, de compañerismo y claro actuación. El Meave es un tipo al cual uno siempre va a querer como brother y no de enemigo.
Rene Dupeyron merece ser llamado héroe por su labor como actor y productor. Pocos (o tal vez ningún otro) se atrevería a hacer esta obra; el lo está ejecutando por segunda ocasión. Los giros que debe ejecutar en escena son precisos, es duro ver como su personaje evoluciona. Sin adelantar nada en la trama, solo les digo que estén muy pendientes de lo que pasa en su cabeza.
Carlos Speitzer es un actor que hace cosas diametrales en tele y en teatro. En las dos facetas es bueno. Una sombra viva en el principio de la obra que poco a poco va mostrando sus colores. Necesitamos más actores comprometidos con el crecimiento actoral como lo esta haciendo él.
Emmanuel Okaury carga con la comedia en el principio de la obra, pero para el segundo acto olvidaremos todo esto por el giro que debe vivir. Su monólogo es devastador, conmovedor y doloroso en la forma en la que termina.
Eduardo Barquin el mas joven del elenco no se achica ante el reto. Tiene mucho terreno para subir todavía más en cuanto a su labor en las tablas. Y es fundamental que aproveche esta oportunidad y siga haciendo proyectos que le representen un desafío. No solo seas una cara bonita.
El aplauso es para todos por su gran sacrificio emocional en el escenario semana a semana. Esta manada merece que todos la apoyemos. Ellos si entienden esa mentalidad, predican con el ejemplo arriba y abajo del escenario. Habrá algunas funciones con debate al finalizar lo cual es importante pues el impacto es demasiado; se necesita muchas veces desahogar lo vivido a través del teatro. Secuestro es una obra que te dejará con un nudo en la garganta, pero en verdad es muy necesario sentir esto hoy para decir BASTA.
Calificación: 8/10
Telón de Asfalto
Jueves 20:30 hrs
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SEMINAR (Crítica)
02/02/2020
Lobos Producciones acierta y presenta su primera obra fuera de la autoría de Reynolds Robledo. ¿Por que empiezo así? Simple; porque está es una historia que de haber buscado hacer algo similar no llegaría a la gran resolución que he encontrado al final y que me ha golpeado con un knockout contundente. La presentación por parte de la prensa de espectáculos no ha logrado llegar a la verdad dentro de la obra. No busco ser un erudito, simplemente les quiero dar a conocer algunos detalles que les ayudarán a disfrutar SEMINAR y que salgan del teatro con entretenimiento y conocimiento nuevo.
Cuatro jóvenes escritores pagan a un “afamado” escritor y editor para que les imparta un taller en el que revisarán sus trabajos con el objetivo, en principio, de lograr reconocimiento en el competido mundo de la escritura. La premisa puede sonar lejana o banal; ¿pero no es eso lo que todos buscamos? La competencia es algo natural en el ser humano en todas las áreas. El éxito, como lo quieran nombrar, es lo que pretendemos tocar al despertarnos en el día a día.
No quiero diseccionar la obra para que ustedes descubran la línea tan inteligente que se desarrolla. Eso si, les puedo advertir que el primer acto puede parecer demasiado pretencioso, banal y sin miramientos a ser algo cercano a las masas; sin embrago, les prometo que eso es solo para poder plantear este mundo que descubrirán al final se parece a muchas realidades. Theresa Rebeck nos muestra como el ser humano es cíclico y que solo basta abrir los ojos para descubrir esta verdad para lograr evolucionar. La obra no trata de personajes alejados, es un rompecabezas todo en uno que se va acomodando en la mente del espectador conforme llega a su conclusión.
Diego del Río dirigiendo obras de texto es mejor y alegra verlo sin sus musas en el escenario. Todos los involucrados en el arte deben ampliar sus posibilidades y círculos. Lo felicito por la forma de atacar cosas difíciles de ejemplificar o hacer visibles en el teatro. Es un lenguaje que pocos logran hacer amenos para el espectador general. La música, los recursos y movimientos logran este objetivo. Felicidades.
Rafael Sánchez Navarro es tachado de sangrón. Para el ojo ordinario podrían decir que actúa de el mismo; pero esto es una mentira. La llama que ocasiona con su Tomás en los jóvenes y en el público es algo que pocas veces sucede. Si te topas en tu vida con alguien así o lo logras ser tu mismo lo odiaras y lo valoraras al mismo nivel siempre.
Aida del Río es Karen, la anfitriona de las reuniones, de clase acomodada. Ella vive uno de los puntos de quiebre más espectaculares de la obra. Podemos verla en muchos momentos “sufriendo” por ser el patito feo, pero su transformación final es un deleite. Interesante ver su cambio sin poder escapar.
Octavio Hinojosa es el responsable de que la obra llegara a este puerto. Su interpretación de Martín es fiel reflejo de la crítica a lo establecido. ¿Cuantos así han conocido? Su viaje lo vuelve héroe y villano a lo largo de la obra. Su voz va en ascendente, se aplaude que en el momento crítico no duda y busca preservar su alma para el bien.
Cristian Magloni encarna a Daniel; quien podríamos pensar es quien más fácilmente recorrerá el camino del éxito al haber estado en todos los círculos debidos y al tener familia y conexiones en el medio. Sin embargo, son estos elementos los que lo muestran como un ser vacío y que tal vez habla de más para remarcar su posición en el grupo. La forma en que descubre su verdad y la del mundo es brillante al hacernos ver que todo tiene dos versiones.
Begoña Narvaez es la parte del deseo sexual de la obra. Para algunos puede ser un cliché una mujer como ella y que debería ser eliminado, pero es mucho más lo que sucede en su personaje que lo que podemos ver. A Sophie hay que observar a detalle y recordar que las apariencias y la realidad son muchas veces diametralmente diferentes.
En la competencia de la vida son pocos los que llegan al triunfo final que, la mayoría, ven como objetivo final. Llámalo fama, llámalo dinero, llámalo reconocimiento, llámalo como quieras; pero hay quienes quieren ver más allá de lo evidente. SEMINAR es esa visión. Acepta que no todo va a ser elogios, no todo va a ser trabajo duro; finalmente lo importante es vivir para lo que te haga feliz. ¿Que tan dispuesto estás a ayudar realmente a aquel que se cruza en tu vida?
Calificación: 9/10
Teatro Milán
Viernes 20:45 hrs
Sábado 18 y 20:30 hrs
Domingo 18:15 hrs
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Ya llegó la Navidad con Pas de Dance
Detrás de ese enorme oso polar que vuela cada año sobre Paseo de la Reforma, cautivando a niños y a sus papás, está el trabajo de una empresa mexicana.
Con 16 años de trayectoria en el negocio de los espectáculos temáticos, Pas de Dance organiza el Bolo Fest, desfile anual que inaugura la temporada navideña en la Ciudad de México y que, para 2019, terminará con un espectáculo musical en la plaza del Monumento a la Revolución.
“El año pasado lo hicimos con 50 bailarines, pero este año llevaremos 70”, anuncia Ilse Lazcano, fundadora y directora general de Pas de Dance.
El Bolo Fest, una iniciativa de Liverpool creada con la intención de promover el espíritu navideño, se realizará el 23 de noviembre pero no es el único show que prepara la compañía de Ilse.
“Tenemos también el espectáculo de Las Rockettes, con el que hemos creado una tradición a través de espectáculos que presentamos en centros comerciales y eventos privados, en los que es posible transmitir el ambiente de la época”.
Las Rockettes, concepto creado en Estados Unidos, tiene casi cien años de historia. Debutó en 1924 y desde entonces se presenta en el Manhattan neoyorkino donde cada año hacen del Radio City Music Hall el lugar por excelencia para disfrutar de la Navidad.
Pas de Dance ofrece esa misma experiencia con un show de diez bailarinas y un Santa Claus que completa el cuadro navideño.
“Lo que nos interesa es promover y dignificar el trabajo de bailarines mexicanos en este tipo de actividades”, explica Ilse, quién fue precisamente bailarina en shows temáticos y vivió experiencias que ahora evita en Pas de Dance.
“Hubo ocasiones en las que nos teníamos que cambiar en la calle porque no había ni siquiera una carpa o camerino”, describe.
La filosofía de dar un buen trato a los que trabajan en esta industria de entretenimiento movió a Ilse a crear esta empresa que comenzó como una marca de ropa y ahora hace la logística de shows temáticos para empresas como Telcel, Televisa, Kio Networks, Ricolino, entre otras.
Su prestigio la pone ahora en la posición de que a sus convocatorias acuden cientos de bailarines movidos por la certeza de que Pas de Dance ofrece un trato justo.
Con esa idea es que la carpeta de shows temáticos ha crecido con espectáculos, que lo mismo hacen homenaje a Michael Jackson, que viaja a los años ochenta con un tributo a The Queen, o recorre la historia del Día de Muertos, entre mucho otros.
Para la libertad (Crítica)
17/8/19
Si no me falla la memoria, esta es la séptima vez que veo la obra, en sus diferentes versiones. Y ratifico lo que dijo en la conferencia de prensa su creador, Omar Olvera; esta es la mejor versión de la obra. Si bien hay algunos pequeños elementos que, a mi juicio, la hacen fallar; existen muchos otros que mejoran la calidad del texto y, por ende, la calidad de la obra que es presentada al público.
Para la libertad, México 68 es una obra que utiliza música de Joan Manuel Serrat para dar voz a momentos que viven los personajes. Situada en el Colegio de San Carlos durante el Movimiento Estudiantil del 68 es no solo una obra que busca recordar el cruel momento histórico, sino que también nos hace reflexionar sobre las otras situaciones sociales que estaban ocurriendo al momento y que son olvidadas ante la derrama de sangre.
Como en una obra que ha evolucionado sobre las tablas hay muchas capas que tocar. Vamos a empezar el análisis y espero que esto los anime a descubrir esta obra mexicana.
Primer ingrediente: el romance. ¿Qué sería de la vida sin el amor? Son dos los personajes que se enamoran del “protagonista” llamado Mario (Jorge Mejía / Roberto Salguero). Uno no es correspondido y lo vemos al final convertido en el verdadero hilo conductor de la historia en una especie de zurcido invisible que es de lo mejor que presenta el texto. Mario es un muchacho que estudia arte y que, más que actuar, termina siendo llevado por diversas situaciones a su alrededor. Si bien no es un ser pasivo, sus más importantes momentos son consecuencia de estar en un lugar y no de sus propias acciones. El romance que desarrolla es uno de los momentos de calma de la obra que permiten que la obra avance pues, como a muchos, el amor le da valor.
El segundo personaje que se enamora de Mario, es nuestra protagonista femenina: Lucía (Lorena Vignau / Lucía Huacuja). Es la hermana Miguel quien es un personaje envuelto en demasiados misterios en el desarrollo de la obra. Ella es un agente externo a los artistas de la academia de San Carlos y queda fascinada por la visión diferente del mundo y su forma de expresar sus ideas. Su vida era muy vigilada por su madre (Irasema Terrasas) quien no quiere que su hija repita sus errores. Muy claro queda que estas limitaciones y miedos creados en el hogar son los que propician que ella termine en el encuentro de su grito de libertad en más de un sentido.
El otro importante tema que se trata es el de la liberación sexual. En la obra nos topamos con varias pequeñas historias sobre homosexualidad que terminan siendo poderosos detonantes para los acontecimientos de la obra. Este punto no quiero expandirlo ya que arruinaría la trama, que al menos para mi, es la principal en el hilo conductor de la obra. No con ello se debe creer que es una obra para la llamada comunidad, sino más bien debe darse la lectura de que es un tema que puede ser tratado al mismo nivel que los otros que aborda socialmente, ni mas ni menos importante.
Del elenco destacan mucho Juan Pablo Ruiz (Federico) y María Jose Bernal (quien es cover e interpreta algunos pequeños papeles que podríamos llamar “cameos”). Juan Pablo es un muchacho que es muy versátil en cuanto a la variedad de trabajos en los que lo podemos encontrar y que le falta solamente el reconocimiento para ser un estelar en cualquier compañía sin el riesgo de ser el cover de un foquito navideño. Por su parte María José es una de esas actrices que ejecuta perfectamente su papel sin importar el tamaño, además de que brilla por su profesionalismo.
El trabajo realizado por Lorena y Lucía en las dos funciones que vimos es exacto. Cada una tiene un estilo propio, pero que pese a ello respetan la línea del personaje. Hay momentos en los que destacan más una que la otra, pero no por ello son malos los dos trabajos. Son de esas niñas que hacen muy buen trabajo en teatro y que, me da coraje, no sean tan reconocidas por ciertos factores que en su mayoría no tienen control.
La obra no es sobre la matanza, al menos yo no le doy esa lectura. Si, esta situada en el trágico año de 1968 y el cierre es durante la fecha del dos de octubre, pero esto es más una conclusión para la historia de los personajes que la razón de ser de la obra. La obra es, para este crítico, una narrativa del momento social que se vivía y que, en la derrama de sangre, es olvidado en sus diversas aristas y capas.
Hay un solo elemento en la obra que parece ser intocable para el autor y para los directores y es el gran fallo de la obra. Se les ha comentado en diversas ocasiones y no han escuchado razones. Lo único que mencionaré al respecto es que todos deben cantar en la misma idea, en la misma frecuencia, en la misma línea.
Calificación 8/10
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La Madriguera (Crítica)
12/8/19
Que complicado es hablar sobre la obra La Madriguera sin arruinar la experiencia teatral que conlleva. Por ello tuve que escribir esto en múltiples ocasiones hasta llegar a este texto que espero los mueva un poco para asistir al teatro y ser estremecidos por la fuerte carga emocional que es llevada a escena. Esta es el segundo montaje que veo del texto y, a personal, es interesante lo diferente que se aborda la obra y como ha evolucionado mi forma de ver el teatro en 10 años (en 2012 fue montada por Primera Llamada la obra)
La historia gira en torno a una familia de clase media alta. Con esa premisa podríamos dudar que pueda haber algún problema o conflicto en sus vidas que pueda ser del interés del espectador o que incluso pueda generar alguna afinidad.
Todo en el papel puede verse normal: una abuela, sus dos hijas y el esposo de una de ellas; todo muy normal. ¿Donde está el giro? ¿A que hora dejan de ser perfectos? Pues esto ocurre unos meses antes del inicio de la obra, una tragedia que cambia toda la dinámica de la vida de una familia: la muerte de su pequeño hijo de cuatro años en un accidente. Fuerte, ¿verdad? Aún más si tomamos en cuanta que este hecho es solamente la primera ficha de dominó en ser derribada. Por ello este será el único hecho que les narraré ya que es, como lo dije, el principal detonante para la reacción y acción de cada momento de la obra.
La obra se desarrolla en varios cuadros que bien podrían ser los de una familia como la nuestra: una fiesta de cumpleaños, una conversación de sobre mesa, una platica nocturna… pero cada uno de ellos es, en algún momento, llevado al recuerdo de la tragedia y mueve lo que puede ser un buen momento (o un momento cotidiano) a una sobre carga de emociones que estrujan el corazón de cualquier ser humano.
El matrimonio es representado por Johanna Murillo (Beca) y Nacho Tahhan (Javi). La complejidad de su actuación radica sobre todo en lo distinto que es su forma de afrontar la tragedia. Ella debe vivir encerrada en una casa llena de fantasmas y una búsqueda por la cotidianeidad que va consumiendo su energía poco a poco. Mientras que él recurre a pasar el tiempo ocupado para no tocar el tema a profundidad y asistiendo a terapia grupal que termina siendo más una distracción que una forma de avanzar. Su relación es la otra victima de la muerte, la distancia se hace más grande conforme pasan los cuadros. La máxima del trabajo actoral de ambos es diametral pues uno explotará y el otro volverá a conectar con sus sentimientos en una forma que impacta al público.
El elenco es complementado por Margarita Sanz (Naty, la abuela), Adriana Llabrés (Isa, la hermana) y Dali Jr González (Diego). Los personajes de las dos primeras son catalizadores de los principales. Tratan de mantenerlos en contacto con el mundo exterior mediante sus historias y momentos cotidianos. El problema surge cuando se llega a un punto de no retorno cuando se llega a “el tema”.
En el final, se dificulta la salida del aplauso por la reflexión que se genera en escena. El silencio se hace presente pues uno espera poder saber más de esta familia que en un principio parece muy alejada y termina, gracias a la actuación de estos titanes, siendo memorable. La propuesta de que en el escenario a tres cuartos se encuentren en todo momento los actores que están fuera de cuadro presenciando la obra hace que uno no se distraiga por las salidas con tanta facilidad y creo involucra también más a los actores con los momentos que sus personajes pueden vivir o no.
Para cerrar quiero felicitar a Playhouse por ser una productora que poco a poco se comienza a convertir en sinónimo de calidad. Tal vez lo único molesto es que sus temporadas son muy breves, pero esto hace más memorable cada una de sus producciones. La selección que están realizando tanto en textos y elencos son exactas para cada una de ellas poniendo énfasis en dar importancia al talento y es algo que, a personal, aplaudo y agradezco.
Ojalá quien lea esto se me una y aplauda el buen trabajo que realizan sobre las tablas.
Calificación: 9/10
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Los Camaleones (Crítica)
23/6/19
Tatiana del Real actúa y produce un monólogo con el cual retrata la vida de una mujer lesbiana que, como algunas todavía, se encuentra en una doble vida. Comienza el diálogo dirigiéndose a su padre quien, al parecer, conoce sus preferencias. Toda la conversación sería de lo más normal si se tratara de la relación de un hombre con una mujer, pero es mas complejo al entender la situación de la protagonista.
Y es que cuantas veces no hemos nosotros mismos llevado a una pareja a casa y debemos ocultar un poco las apariencias. ¿A cuantas chicas no hemos presentado solo como una amiga más? ¿Cuantos chicos son solamente un compañero del trabajo? Pero realmente son algo más, son una parte importante del accionar sentimental. La explicación del descubrimiento del amor, el no ser igual a todos los demás nos van involucrando en la vida de nuestra protagonista.
Que bonito es cuando uno se enamora; pero cuanto duele cuando esto termina. Al llegar a este punto, uno comprende el porqué de esta conversación en privado entre padre e hija previo a la reunión familiar de la Navidad. Y este es el punto medular del monólogo: ¿como vivir este dolor cuando es diferente a lo que la familia esta acostumbrada?
La conclusión de la obra cae como balde de agua fría. Sin querer arruinar la experiencia teatral solamente quiero decir que el amor es amor sin importar el color, envase o forma. Mientras que no se esté dañando a nadie más, debemos respetar el amor. Una gran experiencia
Calificación: 9/10
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Tatiana del Real
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Hace 2 años; la mejor entrevista #elparmascolosal
¿Como iniciar esto? Mmm… tal vez diciendo primero que todo: gracias teatro (otra vez). Hace como dos años y medio por cuestiones del destino conocí en Teatro en Corto a uno de los mejores locutores de México: Carlos Muñoz (Chiken pa los cuates). Lo entrevisté primero yo y después de platicarlo él tuvo el honor de hacer la primera (y hasta ahora única oficialmente) entrevista a lo que denominamos como #elparmáscolosal Francisco Colmenero y Arturo Mercado Chacón.
La verdad nos topamos con algunos problemas para coordinar la fecha, pero la verdad salió de maravilla. La realizamos en vivo a través de Siempre 88.9 en un horario estelar para la radio en México. Pero para que les cuento más cosas. Les voy a dejar enlace para que, si quieren fantasear solo la escuchen o si quieren verla tengan los enlaces a los tres Facebook Live que realizamos.
¿Alguien quiere al Par Más Colosal en un evento? Solamente nos queda este año para agendar eventos. Sobre advertencia no hay engaño.
Escucha a través de SoundCloud:
Los Videos:
Parte 1:
Parte 2:
Parte 3:
PIXAR EN CONCIERTO
ORT México I.A.P. presentará PIXAR EN CONCIERTO, un espectáculo que combina la imaginación y creatividad de las películas que han cautivado a generaciones de niños y adultos por igual.
La versión 2019llegará al Auditorio Nacional el próximo 13 de abril con funciones a las 16:00 y 20:00 hrs.y contara con la participación de la Orquesta Sinfónica Nacional, bajo la dirección del Maestro Rodrigo Cadet (Compositor y director egresado de la Escuela Superior de Música), interpretando en vivo los temas principales de las películas favoritas de Disney Pixar
Laura González, Jaime Salinas, Rodrigo Cadet, Edith Morales, Hugo Pacheco
Los asistentes podrán disfrutar de sus temas favoritos de películas Disney Pixar como: COCO, TOY STORY, BICHOS, TOY STORY 2, MONSTER INC., MONSTER UNIVERSITY, BUSCANDO A NEMO, WALL-E, RATATOUILLE, UP UNA AVENTURA DE ALTURA, LOS INCREÍBLES, INTENSAMENTE e INDOMABLE entre otras. Las piezas musicales estarán acompañadas de proyecciones de momentos memorables de estas cintas animadas.
Los boletos de PIXAR EN CONCIERTO ya están disponibles en taquillas del Auditorio Nacional y a través del sistema Ticketmaster.
Vuelve Pieza Inconclusa Para Sofa y Dos Cuerpos (Crítica)
15/1/19
Vuelve a las tablas esta obra que nos muestra como nace el amor en los tiempos actuales. Para darle nueva vida se integra al elenco Luz Ramos, quien comparte escena con Alfredo Gatica y María del Carmen Félix. Como una segunda novedad tendremos una nueva versión gay, ahora interpretada entre las dos mujeres.
¿De que va la obra? Diego es un fotógrafo que se enamora de una chica que ha visto varias veces en el transporte público. Esta chica, es Bea, una abogada que también esta flechada por él. La historia inicia cuando los dos deciden dar el paso de conocer al otro. A lo largo de la obra vemos como van avanzando de un gran enamoramiento, a la vida en pareja, tratando de sobrevivir a la vida del otro. La verdad es compleja pues son dos seres muy diferentes. Por un lado, Diego es un alma muy libre, creativo y si un horario que rija su vida. Mientras tanto, Bea es una mujer estructurada, con una mente un poco cuadrada, que liderara por soportar al que comparte ahora su espacio.
Algo que caracteriza a la obra es que es, como lo dicta el nombre, una pieza inconclusa. Si bien vemos como todo al principio es belleza y romance, vamos viendo como la rutina se apodera de sus momentos, las discusiones por una amplia gama de temas, hasta la separación. ¿Pero que sigue después de eso? No acaba ahí la vida, esta sigue y debemos continuar. Pero la respuesta a esta ultima etapa de la vida debe ser resuelta por cada uno de nosotros.
La escenografía esta integrada por un sofá-cama que se transforma en lo que requiere la escena. Desde la cama donde ocurre la intimidad de los personajes, un vagón del metro, la sala del departamento que comparten e incluso la línea imaginaria que los divide mientras hablan entre ellos por teléfono. El recurso es inteligente y me fascina pues, en mi opinión, cuando tienes buenos actores, en conjunción con un buen texto, bien traducido por el director, los demás elementos se convierten en adornos para apoyar a todos los anteriores.
Alfredo Gatica es un gran soporte en el papel de Diego. En momentos es el foco de atención y lo hace destacando con su presencia física. Muestra el lado tierno que puede tener el hombre, la inocencia, irradia el calor que se vive con el ser amado, se vuelve un patán perfecto cuando llegan ciertos momentos e incluso se molesta como cualquier ser humano por las cosas mas insignificantes del mundo. Ha mejorado sus tonos de voz.
Vimos el debut de Luz Ramos, a quien recientemente actuó en Los Caballos Fueron Cobardes, quien estuvo a la altura del reto que representa la obra. Me gustó que fue una Bea diferente a la que interpreta María del Carmen. Es una mujer más dulce y juguetona en el coqueteo en escena. Maneja muy bien su cuerpo para ser un imán para las miradas de los espectadores. No tiene tanta “fuerza” pero lo compensa con una firme presencia que no deja hacer menos ante Alfredo. Buen manejo de voz. Un cuerpo hermoso… y si no me creen vean las imágenes.
Quedamos a la espera de ver nuevamente en escena a María del Carmen Félix y la nueva versión. El horario es un poco raro, pero es una buena opción para el domingo.
Calificación: 9/10
La Teatreria
Domingo 5pm y 7pm
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Inicio de actividades con Rosca de Reyes
Como inicio de actividad en teatro para el 2019 SRM Ent y Oscar Rubí nos invitaron a los medios de comunicación a partir la tradicional rosca de reyes con los elencos de sus tres producciones, así como a disfrutar las funciones especiales por la temporada navideña que estaban por cerrar.
La primera cita fue el viernes 4 de enero en el palacio de Cenicienta que tuvo cede invernal en el Nuevo Teatro Silvia Pinal. El elenco encabezado por Leslie Martinez y Lolita Cortés recibieron a la prensa esperando seguir contando con su apoyo y esperando seguir en el gusto del público ahora que inician su 8tvo año en cartelera.
El sábado 5 de enero fue de maratón. Algunos compañeros de prensa disfrutaron de las dos obras que se estuvieron presentando en el Teatro Xola-Julio Prieto y del delicioso chocolate y unas roscas deliciosas. Las Maduras, Solteras y Desesperadas se unieron a los Mosqueteros del Rey para afirmar lazos de amistad con la prensa especializada.
Como dato curioso los niños Dios se quedaron todos en el lado de los caballeros. Ahora esperemos al Día de la Candelaria.
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Los favores de Sor Juana (Crítica)
14/10/18
Esta obra llega de una forma rara a su servidor, como una recomendación de la misma producción a verla. Estas invitaciones llegan en varias ocaciones, y como maldición casi siempre son malas experiencias. Esta ES la excepción a la regla.
Obra en un formato muy rara vez visto pues se llega a quedar guardado en las aulas o en lugares con etiqueta de “culturales” que alejan al público general. El texto es muy desconocido en México ya que su registro está en España. Una poesía de Sor Juana Inés de la Cruz declamado a dos voces. La interpretación de Sor Juana corre a cargo de Lu Bautista quien nos lleva entre versos a conocer la amistad y amor que tuvo con la Condesa de Paredes (Esperanza Morett). En una escenografía que sirve para velar el secreto que guardan estas dos mujeres en una época de represión y demasiados estigmas coronada perfectamente por la música del Ensamble Kalani.
Salgo de ver “Los favores de Sor Juana” con el corazón feliz y tocado por belleza pura. La música, el texto, la dirección, la actuación, vestuario, escenografía son perfectos para esta propuesta. No tiene nada de malo ver a los foquitos navideños que hay en cartelera o teatro comercial… pero para los que les gusta ver algo diferente, para los que les gustan los clásicos y los verdaderos amantes del teatro esto es un “must”
No les voy a mentir, es una obra que, para el público general, puede ser un poco difícil de digerir y seguir al momento. Hago esta advertencia para que, quienes la vean, lleguen descansados, con la mente y oídos abiertos. Prepárense para procesar el texto de Sor Juana. Si nunca han leído algo de ella (que lo dudo) van a correr a querer conocer más de ella.
Calificación: 10/10
La Teatería
Viernes 9pm
Los Cuentos de la Catrina (Crítica)
16/10/18
Obra de la temporada de Muertos. Narra la historia de la familia Martinez que, extrañamente, es fanática de la festividad. Y digo rara no en un mal sentido, lo digo porque, tristemente, se habla luego más del Halloween. Los niños son los guías del inicio de la historia al buscar la atención de los padres en una situación que se vuelve duramente real. Los adultos han perdido las ganas de tener actividades en familia en pro de una mejor vida para la familia a través del trabajo.
Gracias a la magia existente en el teatro llega a la casa de los Martinez los xoloitzcuintles guardianes del más allá para abrir camino a la Catrina Mexicana y a su amigo americano Mr. Treat or Tick. Ellos comienzan a jugar con los niños, leer calaveritas y a preparar la ofrenda. Entre todos estos cuentos vamos descubriendo las historias de los padres y por que dejaron a un lado su amor por las tradiciones mexicanas. Y como buena historia para la familia tiene que haber un villano, aunque este termina siendo un aliado para unir más a la familia a través de buenos juegos y de valiosas experiencias.
La idea de los “especialistas” en fiestas no fue de mi agrado al principio. Sin embargo, con el desarrollo de la obra fue tomando sentido hasta llegar a gustarme. Nada predecible, cada historia y pequeño giro son bien llevados. Me encantó el punto de que no se hizo menos a la festividad americana, sino que se le trató como lo que es, una fiesta relacionada que puede convivir con la nuestra. Único punto a mejorar sería que todos los vestuarios tuvieran la misma calidad. Gran opción para los niños. No se preocupen padres, no se van a aburrir. Inicien el fin de semana con esta obra y luego vamos a poner la ofrenda todos juntos.
Calificación: 9/10
Solamente 4 semanas
Teatro Milan
13, 14, 20, 21, 27 y 28 de octubre
3 y 4 de noviembre
11am y 1pm
Una disculpa por las fotografías, pero no fuimos invitados como prensa en esta ocasión y solamente pude usar mi celular en una función de previos. Gracias a Claudia Lizaldi por la invitación..
