Los favores de Sor Juana (Crítica)
14/10/18
Esta obra llega de una forma rara a su servidor, como una recomendación de la misma producción a verla. Estas invitaciones llegan en varias ocaciones, y como maldición casi siempre son malas experiencias. Esta ES la excepción a la regla.
Obra en un formato muy rara vez visto pues se llega a quedar guardado en las aulas o en lugares con etiqueta de “culturales” que alejan al público general. El texto es muy desconocido en México ya que su registro está en España. Una poesía de Sor Juana Inés de la Cruz declamado a dos voces. La interpretación de Sor Juana corre a cargo de Lu Bautista quien nos lleva entre versos a conocer la amistad y amor que tuvo con la Condesa de Paredes (Esperanza Morett). En una escenografía que sirve para velar el secreto que guardan estas dos mujeres en una época de represión y demasiados estigmas coronada perfectamente por la música del Ensamble Kalani.
Salgo de ver “Los favores de Sor Juana” con el corazón feliz y tocado por belleza pura. La música, el texto, la dirección, la actuación, vestuario, escenografía son perfectos para esta propuesta. No tiene nada de malo ver a los foquitos navideños que hay en cartelera o teatro comercial… pero para los que les gusta ver algo diferente, para los que les gustan los clásicos y los verdaderos amantes del teatro esto es un “must”
No les voy a mentir, es una obra que, para el público general, puede ser un poco difícil de digerir y seguir al momento. Hago esta advertencia para que, quienes la vean, lleguen descansados, con la mente y oídos abiertos. Prepárense para procesar el texto de Sor Juana. Si nunca han leído algo de ella (que lo dudo) van a correr a querer conocer más de ella.
Calificación: 10/10
La Teatería
Viernes 9pm
Los Cuentos de la Catrina (Crítica)
16/10/18
Obra de la temporada de Muertos. Narra la historia de la familia Martinez que, extrañamente, es fanática de la festividad. Y digo rara no en un mal sentido, lo digo porque, tristemente, se habla luego más del Halloween. Los niños son los guías del inicio de la historia al buscar la atención de los padres en una situación que se vuelve duramente real. Los adultos han perdido las ganas de tener actividades en familia en pro de una mejor vida para la familia a través del trabajo.
Gracias a la magia existente en el teatro llega a la casa de los Martinez los xoloitzcuintles guardianes del más allá para abrir camino a la Catrina Mexicana y a su amigo americano Mr. Treat or Tick. Ellos comienzan a jugar con los niños, leer calaveritas y a preparar la ofrenda. Entre todos estos cuentos vamos descubriendo las historias de los padres y por que dejaron a un lado su amor por las tradiciones mexicanas. Y como buena historia para la familia tiene que haber un villano, aunque este termina siendo un aliado para unir más a la familia a través de buenos juegos y de valiosas experiencias.
La idea de los “especialistas” en fiestas no fue de mi agrado al principio. Sin embargo, con el desarrollo de la obra fue tomando sentido hasta llegar a gustarme. Nada predecible, cada historia y pequeño giro son bien llevados. Me encantó el punto de que no se hizo menos a la festividad americana, sino que se le trató como lo que es, una fiesta relacionada que puede convivir con la nuestra. Único punto a mejorar sería que todos los vestuarios tuvieran la misma calidad. Gran opción para los niños. No se preocupen padres, no se van a aburrir. Inicien el fin de semana con esta obra y luego vamos a poner la ofrenda todos juntos.
Calificación: 9/10
Solamente 4 semanas
Teatro Milan
13, 14, 20, 21, 27 y 28 de octubre
3 y 4 de noviembre
11am y 1pm
Una disculpa por las fotografías, pero no fuimos invitados como prensa en esta ocasión y solamente pude usar mi celular en una función de previos. Gracias a Claudia Lizaldi por la invitación..
Cambios en la crítica
Fieles lectores, a una observación de algunos compañeros y actores hemos decidido cambiar la medición de las obras de teatro a una de uno a diez (esperamos nadie inaugure la calificación cero). Esto lo hacemos debido a que, como no daba puntos medios, había obras que tenían una “alta calificación” junto con otras que en verdad la merecían. Esta medición será efectiva a partir de este momento, por lo cual tal vez volvamos a subir algunas críticas.
Para las obras de formato breve conservaremos la calificación de una a cinco estrellas.
NOS VEMOS EN EL TEATRO
BOBO presenta Mentiras el Concierto
18/9/18
El martes fuimos citados a una conferencia de prensa muy diferente y que por lo mismo pocos comprendieron en su totalidad. Fueron presentados ante el mundo Daniela, Dulce, Lupita, Yuri y Emmanuel quienes ahora serán un grupo representado por la empresa BOBO. Estas personas son en las que está basado el popular musical teatral. No “son” las actrices; son las verdaderas personas, que, tras una noche de copas en un karaoke decidieron ir con el autor López Velarde para poder llevar a cabo esta nueva aventura.
El proyecto fue llevado ante Ari Borovoy y su equipo creativo quienes fueron los encargados de poner pies y cabeza al proyecto, por supuesto, con el sello de los demás grandes conciertos de la casa BOBO. Con muy altas expectativas en mente de los creativos estas cuatro mujeres y un caballero se lanzan a ser una propuesta musical diferente.
Habrá algunos momentos de historia en el concierto. Conoceremos momentos que fueron omitidos en la obra y los “después” que han retumbado en las cabezas de los fans a lo largo de 10 años. Arreglos nuevos, músicos en vivo, vestuarios espectaculares y voces increíbles. La gira comienza el 16 de noviembre en el Auditorio BlackBerry. Pueden comprar sus boletos aquí
CANCIONES PARA UN NUEVO MUNDO (Critica)
23/7/18
Hay un productor (el más poderoso de México) que hace tiempo dijo que en este país no había talento. Que se veía en la necesidad de salir a buscar quien llenara un teatro. Esto, pese a que iba a montar una de las obras más poderosas de la historia. ¿Por qué comienzo con estas líneas la crítica? Simple. Se nota que no ha visto lo que hacen estas cuatro voces en un escenario. Y todos MEXICANOS.
El Teatro Milán se confirma, a mis ojos, como uno de los mejores espacios en cuanto a su estructura y en cuanto a la selección de proyectos que se presentan en el recinto. Rara vez hay algo malo. Canciones para un nuevo mundo es un musical con 20 años que por primera vez se presenta en español a nivel mundial. La premisa es simple: en cualquier momento comienza una nueva realidad, un nuevo mundo y no nos queda nada más que “tomar al toro por los cuernos”.
Un escenario abierto nos recibe con un montón de sillas que bien podrían estar abandonadas en una bodega. Pero estos simples elementos se transforman en nuestra imaginación gracias a cada canción y a pocos elementos extras. Son tan extraordinarias las voces que no requieren de coros extra, luces, vestuarios llamativos u otros adornos. Son extraordinarios por si solos.
Con momentos de comedia, de romance, tragedia y descubrimiento es como se desarrollan estas 16 canciones. Vamos a hablar un poco de cada una de estas voces que tienen cada una su propio sabor y color. Y es gracias a su disciplina que logran brillar cada uno en el momento que les corresponde y de igual manera hacer brillar aún más a cada uno de sus compañeros. No hay mezcla más perfecta en cualquiera de las combinaciones que pueden venir a la mente.
Paloma Cordero es una de las 5 voces femeninas más impresionantes que he escuchado en mi vida. Tiene una bis cómica natural que brilla en las interpretaciones individuales que tiene. Potencia, presencia y personalidad. Generosa en el apoyo escénico. Decir que te deja sin habla es poco. Bien podría recibir una ovación de pié tras cada canción, pero hay que seguir con el show.
Majo Pérez es, actualmente, parte de la columna vertebral del teatro musical en México. Con cinco proyectos en cartelera la podemos disfrutar casi toda la semana. De los cuatro, es la mas teatral en su desenvolvimiento escénico. Sus canciones son las románticas. Como plus ella puede ser considerada la bandera de la compañía pues es ella la que queda en la memoria cuando canta “un mundo nuevo que se asoma…”. Una delicada flor que baila en el escenario enamora todos los sentidos.
Anuar es el elemento sorpresa. Ya es bien conocida por el gremio su voz, pero en esta ocasión sale a brillar toda esa magia que tiene. No creo que exista alguien vivo que pueda hacer lo que él. En sus solos explota, en los acompañamientos enaltece a sus compañeros. Podrían decir que se excede o se luce de más. Yo simplemente los invito a disfrutarlo pues es ASOMBROSO.
Abel Fernando es la experiencia y elegancia. Una voz masculina con garbo y porte. Es raro pero refresca en su primera intervención y marca la pauta de lo que será el espectáculo. Las canciones que le tocan son con las que más me relacioné y que narran muchos pasajes de mi vida actual. Podría protagonizar cualquier marquesina, deleita en cada nota que interpreta.
Inicia la semana con el pie derecho. Llena de luz y alegría tu corazón con estas canciones. Si como yo, eres un audiófilo, no puedes perder esta propuesta única.
Calificación: 5/5
Solamente estarán en el Teatro Milán hasta el 21 de agosto. Funciones lunes y martes a las 20:45 hrs (salen de ahí a las 22:30 hrs aproximadamente). Pueden comprar los boletos dando click aquí.
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Infieles Famosos Infames (Crítica)
3/6/18
Obra original de Neil Labute que se desarrolla en Hollywood actual. Un mundo lleno de cosas superficiales, plástico y donde la fama parece ser la moneda de cambio más valiosa. La obra comienza, en mi opinión, un poco aburrida, si bien nos dan el planteamiento de cada uno de los personajes, uno comprende mejor las primeras escenas tras una segunda vista de las mismas.
Los personajes son cuatro involucrados en el medio del cine con un pasado diferente, un presente que los une de forma extraña y un futuro que sin duda es incierto.
Valeria Vera (Beverly) vuelve a ser ese mounstro del teatro que se transforma en cada proyecto y en esta obra tambien tiene diversos cambios y evoluciones en su personaje que demuestran su nivel y calidad actoral. Para mi es dificil entender porque no recibe más atención por parte de los medios. Su personaje es el que vive más el conflicto de la obra y el que más caras muestra (es la pareja de Karen). Desde la furia, la sabiduría, la tranquilidad e incluso la sexual por nombrar algunas. El combate escénico que tienen, siendo muy estrictos en la lucha olimpica, podría pulirse más, pero eso ya requiere a un experto para las dos partes. Aun cuando no debe ser el personaje que busque mas atención por parte de todos, es el más humano y con el que mayor afinidad podemos sentir los mortales.
Francisco de la O (Steve) hace un muy buen trabajo buscando marcar su dominio sobre de las demás mujeres en escena. Su personaje es un perfeccto cúmulo de los esteriotipos de varios actores que he conocido que pretenden “saber todo”, que buscan la aceptación “siendo correctos” y además van perdiendo la lucha contra el paso del tiempo. Es el mayor de los personajes y muestra muchos elementos interesantes de analizar. Uno lo odia por ciertas actitudes, se ríe ante su ignorania y se frusta ante su forma de ver su carrera. Un poco patan en la forma en que trata a Missy, pero asi hay muchos hombres aún y que tratan tapar esto disculpandose de cualquier acción o frase que ejecutan.
Sophie Gomez (Karen) emepieza la obra un poco mal (o tal vez fue por ser la primera función), hubo dialogos que no escuché, pero en cuanto agarraron ritmo se puso al tempo de los demas. Ella interpreta a una actriz que ha visto su carrera caer tras algunas revelaciones sobre su vida personal que la han llevado a perder el estatus como actriz (pareja de Beverly). Tiene un pequeño monólogo dentro de la obra que puede ser cómico para el público en general, pero es un increible in-sight de la vida del actor a nivel mundial.
Ela Velder (Missy) es el eye-candy de la obra. La más joven del grupo y esposa de Steve. No me había tocado verla en teatro; no me decepciono en lo absoluto. Su personaje es de una joven que esta haciendo sus pininos en el medio del cine. Ingenua, sumisa, inocente y algo boba a la vista, pero que al final saca ese caracter y personalidad que tienen las mujeres en el medio. Te la comes con la mirada toda la obra (y estoy seguro que también sus compañeros en escena). Ojala haga más teatro de este tipo que le representa un reto y la haga crecer. Belleza la tiene, talento a explotar también, todo esta en si lo aprovecha. En verdad espero que no se pierda en el monton de una generación con tantas mujeres bellas y talentosas.
Calificación: 5/5
Una joya que solamente esará dos meses y no se pueden perder.
Teatro Virgina Fábregas
Viernes 20:30 hrs
Sábado 18hrs y 20:30 hrs
Domingo 17hrs y 19:30 hrs
Art House Temp14 (Crítica)
RECORDATORIO: Las calificaciones para Art House se toman desde el momento previo a entrar a la sala. Se analiza la actuación, la obra, la escenografía, ambientación, iluminación, música y el acomodo del público dentro del foro comprendiendo el formato y diversos tamaños de cada uno.
Thriller. Una sala de interrogatorio es el escenario simple que nos trae esta obra. Un detective y un presunto culpable recapitulan los hechos ocurridos en una fiesta que llevó a la muerte de la hermana del segundo. Pero ellos no son los únicos en la habitación.
El guión es bueno, el elemento sobre natural es interesante pero no explotado a un grado lo suficientemente poderoso (que si se puede en el formato pues lo he visto). Lo menos en ocasiones es más, pero no hay que abusar en este precepto.
Son muchas variables en los elencos, de lo que he visto esta bien, pero creo que podría ser mejor debido a la calidad de las piezas. Hay algunos que deben esforzarse y otros que el director debe hacerlos trabajar mucho más.
Calificación: 4/5
Musical. Dos hombres y una mujer hablan del amor con canciones que hiciera popular Rocío Durcal. Amo ver a Grisell Margarita en escena, solamente debe cuidar su canto. Es muy buena, pero creo que saber esto la hace confiarse en ciertos momentos y notas, aguas. Es bueno ver a Edgar Marroquin en escena, pero creo que la obra podría subir si abre su visión a la voz de otros. No todo el trabajo es en la sala actualmente.
Muy actual situación; el triángulo romántico no es normal. Me gusta que le den mucha comodidad al público, pero creo compromete en igual medida el desarrollo escénico. La iluminación nos da un ambiente de nostalgia que en momentos es bueno, pero en otros instantes es demasiado.
Calificación: 4/5
Pieza. Segunda temporada (bueno, tercera). Al mas mero estilo de una sesión de ayuda en grupo, el público es integrado a la dinámica para conocer los problemas que viven algunos artistas anónimos. Mostrando la cara “no bonita” de vivir en el arte, es una obra que transmite un fuerte mensaje.
De la primera vez que la ví (Coyoacan) a esta “nueva” versión ha evolucionado y se ha convertido en una de las consentidas del público. Los actores la han hecho suya y esto les ha subido un punto la calificación con respecto a la primer temporada.
Asistan sean o no artistas a esta terapia que los hará conocerse más.
Calificación 4/5
Musical. Tercera temporada de ese gran concepto; copiado más no igualado. Una sala de espera de un ginecólogo es tal vez un lugar raro para desarrollar una historia, pero lo lograron muy bien con este texto. Cuatro mujeres en situaciones muy diferentes se encuentran esperando consulta.
He visto 4 elencos diferentes y logran mantener el nivel. Siempre encuentras buenas voces, actuaciones correctas, pero de igual manera, he topado con momentos que no son buenos y eso les baja la calificación. Es difícil trabajar continuamente con tantas actrices y en un formato breve, pero la calidad no debe caer. Esto debe ser salvado por la producción y por las mismas actrices.
Calificación: 4/5 (Me encantaría que hicieran un mini concierto en la sala grande y con música en vivo.)
Teatro físico. Un restaurante, ambientado con mesas, cubiertos, comida y bebidas es el escenario en el que vemos a un hombre que sufre. Debe lidiar con dos mujeres. La primera, con la que llega, controladora al extremo. La segunda, se la encuentra en el lugar, que la quiere llevar a los extremos del deseo.
Carlos Cravioto hace algo muy diferente ahora que vuelve al formato, bien por ser ACTOR. Las chicas con las que le toca interactuar se roban la obra pues son las que llevan gran parte de la carga de la actividad de la obra. No solo interpretan a las mujeres que mencioné al principio, también se transforman en otros pequeños personajes (sin cambio de vestuario) haciendo cambios de voz y lenguaje corporal para lograr el efecto deseado.
Bien por la iluminación que, cuando se ve el final, hace que tenga sentido toda la obra. Gran forma de limitar al público, pero, en el mismo nivel, tenerlos cómodos con el concepto del restaurante.
Calificación: 5/5 (Lo diferente luego asusta, pero esta apuesta gana)
Urinetown, la obra que nadie esperaba (Crítica)
20/2/18
Me arrepiento de apenas poder escribir de esta obra de teatro que tiene tantos elementos, que seguramente alguno se me escapará. Comencemos por dos puntos extra escenario que, en otras circunstancias, no comentaría. Urinetown es un sueño loco de Mark Hollmann, y lo marco de esta manera puesto que nunca pensó que llegaría a ser algo grande. Creado en 2001, nunca pensó que llegaría a Broadway, pero lo logró. Creyó que ese era el techo, pero se realizó un tour nacional por Estados Unidos, para después ser nominado y ganar dos premios Tony. Para la crítica americana, Urinetown es como un barco pirata que llegó para hacer puerto en Nueva York, nunca imaginaron que esta obra, tan diferente llegara a cautivar al público.
En el caso de la puesta mexicana, su historia también es de resaltar. Ícaro Producciones tiene su nacimiento en Querétaro, desde hace cuatro años han montado esta obra en una versión “diferente”. Su director, Miguel Septién fue el encargado de la traducción y adaptación de la obra. Curiosamente lo hizo solo con el guión y música (autorizado, claro esta); pero nunca la vio en Broadway.
Con diversos esfuerzos han tenido la fortuna de recibir la aprobación del creador americano para seguir con esta versión. Juan Torres fue invitado a verlos en el Teatro Metropolitano de Querétaro (con aforo de 1,375 butacas) y quedo tan enamorado que los apoyó para llegar a mostrar su talento en la Ciudad de México. Y en una historia similar a su contraparte americana, creyeron que el techo era estar en el Teatro Hidalgo entre semana, para después presentarse en una temporada en fin de semana. Ahora se sienten como Cenicienta, presentándose en uno de los mas bellos espacios de la ciudad, el Teatro Milán.
Pasando a la critica de la obra asusta de lo actual que es; una sociedad que ha exterminado el recurso del agua, para pasar a ser un bien de lujo y que se debe de pagar a un alto precio para ser usado para algo tan simple como lo es el baño. El tono es de sátira y burla, no solamente a esta situación, sino también a todo lo que puede estar establecido dentro de un musical clásico de Broadway; el guapo que “debe” ser el héroe, la niña bonita que “debe” enamorarse del único guapo, la guerra de clases sociales, la forma en que están establecidos los ritmos en las comedias musicales y un sin fin de clichés más. Eso si, siempre se nos aclara que no es como otras historias. Aquí nos presentan los dos puntos de vista para que sea el público quien decida quien es el bueno y quien es el malo, o incluso, decidir que no hay blanco o negro en estos asuntos.
La comedia tiene un ritmo muy bueno, además de que se aplaude que pese a las duras situaciones nunca se recurre a las malas palabras, convirtiéndola en una obra para todas las edades. Las armonías en las canciones son ejecutadas al nivel de cualquier producción de alto nivel, demostrando que el talento en México es infinito, solo es cuestión de querer salir a encontrarlo. No necesitan de un foco navideño para hacer que el público les aplauda tras cada número musical o que muera de risa tras situaciones absurdas como el cierre del primer acto. Incluso, en mi opinión, esta de más decir que es el musical que revolucionó Broadway, pues lo están haciendo con el mundo.
Urinetown se convierte en una obligada visita para los teatreros de todo el mundo. Esperemos que no se vuelva realidad y que toque conciencias. Esta es una perfecta muestra de cómo los artistas hacen su parte para mejorar al mundo desde su trinchera. Corran a verla….
Calificación: 5/5; encuentren un buen ingeniero de audio por favor.
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Panda Malo, celebra la diversidad (Crítica)
24/2/18
Hay temas que luego son difíciles de hablar o tratar. Afortunadamente han sido muy inteligentemente abordados gracias al auge del genero del Stand-Up Comedy. Para muchos esta forma de comedia es un tipo que solo debo quejarse, burlarse o decir groserías, pero la verdad es que no tiene nada que ver con esto. Si bien en un nivel básico es una introspección, para el escritor avanzado es una muy atinada observación de la sociedad que le rodea. Precisamente esto es lo que logró Megan Gogerty con el texto de Bad Panda.
Cuando solo quedan dos pequeños pandas en el mundo, Gwo-Gwo y Marion, y es temporada de apareamiento, hay que hacer lo que se debe hacer. ¿Pero como? Ellos solo saben jugar, comer bambú y claro, ser tiernos. A esa difícil mezcla, hay que agregar al cocodrilo Chester, depredador alfa, que queda cautivado por estos omnívoros gigantes originarios de China. ¿Pero por que están compartiendo un espacio estas dos especies? Es difícil de entender pero todo es culpa de “ellos” y son “ellos” los responsables de muchas cosas en los alrededores de su ecosistema.
La forma en que son tratados los temas es genial. Es hasta que uno da una segunda mirada a cada escena que se da cuenta lo complejo de los temas que están tratando estos tres animales. Desde la identidad sexual, el rol social con el que uno nace, los paradigmas que difícilmente se pueden cumplir actualmente, la paternidad, la amistad, la relación de pareja, la maternidad. Si esto no fuera puesto de forma antropomórfica tal vez sería una obra más seria, pero el que lo estén haciendo de esta forma, les permite ser cómicos, simplones y, aunque suene raro, más reales que los propios humanos.
La dirección y adaptación de Miguel Santa Rita es muy buena, felicito sobre todo el riesgo de ejecutar la obra, en el cambiante espacio que es el Foro Lucerna, al ponerlo en un formato de arena. Los personajes se vuelven memorables. Uno termina enamorado de ellos y queriendo correr a abrazarlos al final de la función. José Ramón Berganza (Gwo-Gwo) alterna de ser tierno a ser una figura dominante, con momentos de duda que lo hacen el más cambiante. Paola Arrioja (Marion) es la más bonita osa panda que nos podemos imaginar, reflejo de muchas mujeres que quieren, pero al mismo tiempo no quieren. Pablo Perroni (Chester) nos muestra que es un actor completo, desde la comedia física, siendo tierno, rudo, sensual… creo que no le falta tocar ninguna emoción aquí. Resaltar que tiene un gran ojo para los proyectos entretenidos de teatro. Como actor se saca un diez, pero como productor merece un 100.
Calificación: 5/5
Los Hijos También Lloran (Crítica)
20/2/12
Obra original de Andy Zuno (también “protagonista”) que tiene una narrativa rara. Situada en el año de 1985, juega con muchos elementos propios de la gente que vivió esa década. Un tiempo muy diferente donde todo el mundo vivía un entorno social muy parecido; no había tantas opciones en la televisión, en música, en cine o hasta de formas de vivir. Creo yo, que hasta fue esa la época donde comenzaban a “experimentar” con la educación de los niños vía la nana televisión.
La historia es de un niño que tenía muchas ganas de nacer, pero que se ve abrumado, sin saberlo, por las situaciones de vida de sus padres. Este elemento es el que lo vuelve más un hilo conductor de la obra, más allá de un auténtico protagonista. Vemos a su madre (Ludwika Paleta) desde que es una estudiante, cuando conoce a su futuro esposo (Hamlet Ramírez), la boda, el embarazo, el parto, la muerte del padre y la relación con los abuelos maternos. El elenco es complementado por Pablo Perroni y Montserrat Marañon quienes interpretan a varios personajes a lo largo de la obra, siendo de los que más trabajo realizan y que muestran buen trabajo para diferenciar a cada uno de ellos.
La historia más parece una platica de terapia para buscar comprender que es lo que sigue en su vida. El tono de farsa y la alusión al ritmo de actuación de la televisión, o más bien de telenovela, puede no ser del agrado de los que son muy de teatro. Sin embargo esto se encuentra muy bien justificado por como es planteada toda la obra, y puede que ayude a jalar nuevos públicos a los teatros.
En mi opinión hay momentos de más en la obra, puesto que parecen más un relleno. Fui a ver la obra ya en dos ocasiones, y sigo sin encontrarle sentido a ciertos momentos en video. El púbico puede sacar alguna risa casual pero en su mayoría comienzan a ver sus celulares o relojes viendo cuanto falta para que termine la obra.
Calificación: 3/5
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Después de la lluvia (Crítica)
8/12/17
Esta obra es una muestra de que no existen obstáculos en la vida, son simplemente retos a superar. Iba a ser estrenada en El Circulo Teatral, pero los hechos del 19 de septiembre cambiaron todo. Su nuevo hogar es la Teatreria, lo cual implicó cambio de escenografía, trazos e incluso elenco. Pese a todo esto podemos decirles que vale mucho la pena ver esta obra.
Una pareja vive un reencuentro y se refugian en el departamento de ella durante una tormenta. La narrativa nos va mostrando sus recuerdos, en lapsos de presente y pasado. Desde el momento en que se conocieron en un restaurante, a una aventura en un motel, pasando por discusiones y claro, momentos de amor. En un tono muy actual, plantean al amor como algo que muta y evoluciona constantemente. Para esta pareja, interpretada por Tatiana del Real y Christian Ramos, todo puede cambiar de un momento al otro. De estar haciendo el amor, a dejar todo para ir con el otro amado, de ser desconocidos a compartir una mesa. El espacio de la Sala B de la Teatrería puede ser difícil, pese a ello lograron dominarlo casi a la perfección. Difícil reto para los actores los “cambios” de ambiente y vestuario para darle sentido al cambio en el tiempo, sumado a la dificultad de las escenas románticas en media oscuridad.
Puntos malos son la falta de precisión en el planteamiento de los personajes. No solamente se debe cuidar el texto, también la semiótica y el trato del personaje planeado en el escrito contra sus acciones. Siento que el cierre es débil, no me dejo satisfecho, esto no es culpa de los actores (puesto que vi la obra en dos ocasiones y viví dos finales) creo esto cae más en la dirección y adaptación. Sugiero una revisión de todos los elementos y estoy seguro que podrían ser una obra de calificación perfecta.
Calificación: 4/5
PIEZA INCONCULSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS (Crítica)
16/11/17
El Teatro NH presenta los miércoles esta obra que semana a semana nos muestra como nace el amor en los tiempos actuales. Comenzando de la forma mas sencilla, un encuentro casual que se ha repetido varias veces en el metro, se convierte en una relación, primero casual, después formal, hasta llegar al punto de compartir el mismo espacio y evolucionar a la separación de los involucrados. Uno de los puntos que mas se aplauden es el hecho de presentar, de manera integra, el mismo guión en dos versiones. Abre los ojos el ver que el amor, el desamor y el romance puede ser igual sin importar que se trate de una relación hombre-mujer u hombre-hombre.
María del Carmen Félix es una de las mejores actrices de la escena mexicana. Desde que conocí su trabajo en 2014 en la obra de AMORatados quedé impresionado por su nivel histriónico. En este nuevo proyecto no decepciona, vuelve a entregarse en mente, alma y cuerpo en un texto complejo de ejecutar de la creación de Mariano Rochman. La vemos ser una mujer en todas las facetas que puede vivir en una relación de pareja. Desde la mujer sumisa, la furiosa, la coqueta, la actual ejecutiva, la enamorada hasta el tuétano y otras más que, como hombre, amamos y odiamos ver en nuestra pareja. Una mujer que cautiva al público con su mirada y rostro expresivo, un cuerpo que transpira sensualidad a todo el teatro y deleita a todos con sus cambios de vestuario en escena que dejan muy poco a la imaginación.
Su compañero en escena es Alfredo Gatica. Él se presenta en las dos versiones de la historia se pone a la altura del reto. Interpreta con pasión su papel de la parte masculina de la relación de buena manera. Esta es la primera vez que lo veo en teatro y no me decepcionó. Muestra el lado tierno que puede tener el hombre, la inocencia, irradia el calor que se vive con el ser amado, se vuelve un patán perfecto cuando llegan ciertos momentos e incluso se molesta como cualquier ser humano por las cosas más insignificantes del mundo como un par de jitomates. Su trabajo es, en momentos, el de soporte en la obra para su contraparte, pero incluso en esta situación lo ejecuta correctamente. De igual manera cuando sobre de él esta el foco de atención lo impone con su presencia física. En este punto lo que no me agradó fue el manejo de sus tonos de voz. Es un punto que se debe trabajar ya que no todo es con expresiones faciales o con el cuerpo, la voz también es una herramienta para el actor, sobre todo en el teatro.
La escenografía esta integrada por un sofá-cama que se transforma en lo que requiere la escena. Desde la cama donde ocurre la intimidad de los personajes, un vagón del metro, la sala del departamento que comparten e incluso la línea imaginaria que los divide mientras hablan entre ellos por teléfono. El recurso es inteligente y me fascina pues, en mi opinión, cuando tienes buenos actores, en conjunción con un buen texto, bien traducido por el director, los demás elementos se convierten en adornos para apoyar a todos los anteriores.
Calificación: 4/5
Bule Bule, El Show (Crítica)
15/11/17
Por más de dos años las noches entre semana se han convertido en una explosión de diversión gracias a esta obra perfecta para todas las edades. Presentándose actualmente en el Teatro Xola, Bule Bule, el Show es un concurso de canto con todo el encanto de la televisión de los años 60’s. Todas las funciones presentan un final diferente ya que en cada una hay una votación del público para determinar al ganador de la misma. Esta interacción involucra más al público y los hace a muchos repetir la experiencia sin importar si ganen o pierdan sus favoritos.
El programa es conducido por Freddy (Rogelio Suárez), amigo y amor de todas las mujeres. A como era la televisión en antaño hace desde la presentación del programa, de los concursantes y de los patrocinadores del programa. Rogelio Suárez se encuentra como actor invitado en este papel y le da la vuelta a lo previamente establecido. Es dinámico, ágil y divertido. Son 10 años los que lleva actuando en teatro sin parar, hoy más que nunca se muestra maduro y listo para cualquier reto. Muestra tintes de la técnica actoral de “clown”, se comporta en momentos como galán y sobre todo hace entretenido el programa/obra en sus intervenciones, como lo debe hacer todo buen conductor de televisión.
Las mujeres son representadas por Las Bombonettes; equipo integrado por Mary Jane (Majo Pérez), Mary Rose (Paola Mingüer) y la recién integrada a la obra Mary Joe (Gaby Albo).
Majo Pérez es la niña bonita del grupo que siempre existe en las escuelas. Ella es una actriz perfecta para el género de musical. Es una buena actriz, sus puntos más fuertes están en el canto. Lo complejo de su actuación recae en tener que coquetear con el público y, al mismo tiempo, evitar el romance con un miembro del equipo rival.
Paola Mingüer interpreta a la niña lista pero a la vez un poco loca, la clásica amiga leal. Muy a la par sus habilidades para actuar y cantar. Sus intervenciones son en tono de comedia en muy buen ritmo. Esta misma comedia la lleva a la práctica en algunos números musicales sin descuidar su canto. Después de todo, estamos en un concurso de canto.
Gaby Albo ha entrado a ponerle una energía diferente a su equipo. La chiquita pero picosa del trio es ruda y no deja de lado su personaje en ningún momento. Desde gestos de molestia al sentir el coqueteo de los hombres, hasta el mostrar su personalidad poco común con el conductor del programa, se convierte en algo que le da frescura a las mujeres y las hace verse más diferentes a cada una de ellas. Una voz que impresiona por su rango y preparación que tiene. Perfecta pronunciación tanto en ingles como en español.
Los hermanos Guzmán son Los Pillos del Rock; liderados por Enrique (Rodrigo Urquídi) y sus hermanos Jhonny (Iker Madrid), Alberto (Luis Villarreal) y su amigo César (Diego Medel). Con muy obvias referencias a los ídolos del rock’n’roll mexicano, son unos verdaderos pillos en el escenario. Se sienten los más galanes de México y usaran todas sus armas para conquistar al público asistente.
Rodrigo Urquídi es el líder del grupo. Su principal línea actoral corre en buscar ser el interés romántico de Mary Jane tras una cita. Pasa de ser el cazador a ser la victima en un par de canciones dejando en claro que la revolución femenina lleva mucho tiempo en desarrollo.
Luis Villarreal logra robar el foco de atención en varios momentos. Desde querer ser el “todas mías” del grupo, robarse una canción para dedicarla a las Mary e incluso querer ser de quien hablen todos. Cantante y actor de gran nivel.
Iker Madrid enamora con su particular tono de voz. Tiene grandes momentos donde se luce como intérprete y también con un poco de comedia física. La voz de la razón del grupo y quien más personifica el deseo de ganar.
Diego Medel se roba el corazón del público. Además de ser un gran intérprete, muestra ser un gran actor en su papel de ser el agregado al grupo. Alegre, cómico y un poco ingenuo es quien más se divierte en escena.
El repertorio musical va desde los clásicos del rock’n’roll mexicano hasta los éxitos en ingles, pasando por un popurrí de versiones de la Onda Vaselina, de una u otra manera conocen estas canciones. La diversión esta garantizada y como un punto extra la obra corre en un solo acto. Remarco este punto, ya que es algo que hace pensar el asistir a una función entre semana. Con duración de 90 minutos es una de las mejores opciones para llenarse de energía a mitad de semana.
Calificación: 5/5
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La Jaula de las Locas por 3 meses; o menos, 2 años en cartelera
6/11/17
Si hacemos un repaso histórico, Teatro de Primera nos ha entregado grandes proyectos a la escena teatral mexicana. Ese barco, comandado por los productores Memo Wiechers y Juan Torres, tuvo su ultima travesía en conjunto con la puesta de La Fierecilla Tomada. Me acerqué a ellos para preguntarles el por que de esta “pausa” laboral. Mientras que Memo buscaba descansar física y mentalmente de haber tenido una gran carga de trabajo, Juan deseaba descansar el alma y cumplir el sueño de estudiar. Pero la dama del teatro es una amante caprichosa que seduce a unos cuantos locos y no los deja en paz.
Fue en octubre de 2015 cuando Juan Torres, sorpresivamente, citó a los medios para presentar el proyecto de La Jaula de las Locas. Muy orgulloso se sentía de montar en el mismo recinto la obra que protagonizara Silvia Pinal y a la que el asistió en su momento como un teatrero más. Muy claro dijo que se sentía nervioso, pues era su primera producción sin su “brother”, la temporada será únicamente de tres meses pues tenía otras cosas en lo personal que realizar, pero “llego la oportunidad de hacer esta obra y no lo podía desaprovechar”.
El elenco era atractivo pues contaba con Mario Iván Martínez, Roberto Blandón, Patricio Castillo y Aida Pierce en los papeles protagónicos y dándoles la alternativa e impulso a jóvenes talentos que deben voltear a ver como lo son Rogelio Suarez, Israel Estrada, Jimena Pares, Luigi Vidal, Tanya Valenzuela y Pablo Rodríguez. Al concluir los 90 días celebraron la placa de las 100 y por el éxito extendieron temporada otros tres meses. Y así, sucesivamente se fueron hasta cumplir un año en cartelera entre momentos dramáticos, marchas que bloqueaban el teatro, cambios de elenco, presentaciones especiales, giras y reconocimientos por el juez más difícil: el público. Unos se fueron a realizar otros proyectos y se integraron otros más como Moisés Suarez, Maru Dueñas y Tomás Goros. En cada ocasión que hemos podido ver la obra vemos que se ha buscado mantener la calidad en cada aspecto, lo cual se ha vuelto el sello de presentación de Juan Torres en 20 años de producción a nivel nacional e internacional.
El pasado 3 de noviembre cumplió dos años en cartelera y 600 representaciones.
La Jaula de las Locas es un fenómeno. Se ha despedido y ha vuelto gracias al público que se ha vuelto loco por el proyecto. Son pocas los musicales de gran formato independientes que en los últimos 10 años han podido tener una temporada exitosa, gira con llenos por toda la república, disco original con ventas agotadas y sobre todo estar cimentados en el talento de una compañía que se ha vuelto familia. El mensaje esta más vigente que nunca: el amor es universal sin importar el empaque en el que venga.
Calificación: 4/5
Imágenes en el Teatro Manolo Fábregas click aqui
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EL CURIOSO CASO DE DON JUAN TENORIO
1/11/17
¿Imaginaría este escenario en algún momento Zorrilla? El hecho de que su obra menos querida, pero la más popular, sería, en primera instancia vuelta comedia hasta el punto de ser una simple mezcla de gente “conocida” como lo es el actual y que provocaría el olvido de la prosa romántica y de aventura que había desarrollado para trascender en el tiempo.
Y este punto lo quiero destacar antes de hablar del montaje, pues su servidor, la producción y los actores se sorprendieron, rieron (y tal vez hasta se ofendieron) ante el desconocimiento por parte de un sector de la prensa al ser cuestionados por la misma sobre la puesta de este año del Tenorio Clásico. Y creo que la anécdota vale la pena al menos mencionarla, pues esto demuestra que somos pocos los verdaderos amantes y seguidores del teatro dentro del gremio. La situación fue simpe; se le preguntó a Violeta Isfel, quien interpretaría a Doña Inés, sobre como sería su vestuario y como lo haría sexy, pues “anteriormente lo han hecho Ninel Conde y mujeres muy sexuales”. Hasta que punto se ha olvidado que esto es un auténtico clásico que se ha representado por más de 150 años y que es una tradición en la temporada de Día de Muertos.
Pasando a la crítica de la puesta de ese año a cargo de Fénix Novohispano Compañía Nacional de Teatro resalto el hecho de buscar mantener viva la tradición en todos los niveles de la obra. No solamente mantienen perfectamente la prosa, incluyen también un cuarteto de cuerdas que sirve para llenar en los momentos de cambio de escena y un vestuario casi perfecto en cuanto al momento histórico (aquí estoy seguro que los actores son los que más agradecen algunos adelantos modernos para no pasar momentos pesados en escena). Para los modernos puede parecer pobre la escenografía, pero esta es una obra que no requiere esos elementos que en ocasiones son adornos; la actuación, la dramaturgia y los actores son los elementos principales de la puesta. Cuando tienes estos tres elementos en un alto nivel no requieres nada más para hacer verdadero teatro.
Brígida es interpretada por Martha Ofelia Galindo, quien nos comentó que llegó al papel de casualidad, pero se siente agradecida y bendecida de volver al teatro. Hay que aplaudirle, pues es la verdadera piedra angular que evita que la obra se vuelva pesada. Tiene pocos momentos, pero los llena con comicidad y experiencia, lo cual pocas actrices pueden ejecutar. El papel no es cómico, lo que lo vuelve a este estilo es la dirección (de Francisco Hernández) y una actriz con esa capacidad que pocas llegan a desarrollar.
Violeta Isfel logra, en mi opinión, su titulación en maestría con este trabajo. Para muchos seguirá siendo la niña caprichosa, “sueño que muchos quisieran hacer realidad”, pero después de verla en formatos breves, musicales infantiles y otros pequeños papeles en telenovelas quedo deleitado y satisfecho con su trabajo en el complejo papel de Doña Inés. Como ella lo mencionó “todos deberían hacer un clásico en su carrera, pues es un gran reto”. Yo te aseguro que lo superaste perfectamente. Le falta algo para dar el siguiente medio paso para ser una de las importantes de la escena nacional y que le podría dar como consecuencia muchas más cosas buenas en su carrera profesional.
El elenco es complementado por actores que trabajan constantemente para la compañía como Miguel Alonso y Claudio Morales en los papeles de los rivales Don Juan y Don Luis; Eugenio Bartilotti como Ciutti y Jessica Gámes como Doña Ana son personas a las que hay que echar un ojo pues se les ve tabla y amor por la profesión.
Para cerrar solamente pido a la dama del teatro que nos deje ver más años un Tenorio Clásico de calidad, que llegue a escuelas, pueblos y al público en general pues lo hemos oído a lo largo del tiempo sin saber que de aquí sale el clásico “no es verdad ángel de amor…”. Clásico no debe ser sinónimo de aburrido; al contario, es la base de todo y debemos verlo, respetarlo y admirarlo.
Calificación: 4/5
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