Archivo de la categoría: teatro

Secuestro / Ca$h (Crítica)

9/2/2020

Se dice que el teatro es el reflejo de la sociedad. Esta frase nunca ha sido tan cierta como con la obra Ca$h, ahora Secuestro en su segunda temporada. Y admitir esta situación es algo demasiado doloroso para su servidor. Pero de igual manera, por como nos quieren vender la situación actual, es el deber de los creadores y artistas ser el grito de denuncia. Tal vez lo diga mil veces, pero gracias por partirse el alma en el escenario para hacernos decir BASTA.

Nos vemos situados en una bodega donde tres amigos van a comprar una guitarra. Algo muy normal, todos confiamos en el hermano mexicano. Cruel giro del destino podríamos decir, pero la situación se esta convirtiendo en el pan nuestro de cada día. Ya no es raro conocer a alguien a quien asaltaron, alguien a quien secuestraron o peor aún. Así es la premisa de Secuestro.

La dirección de Rafael Perrin es idónea para la falta de atención del publico joven actual. Dinámica, llena de acción, de momentos de tensión; el público es un rehén más de la obra gracias al jugo que le saca a sus herramientas en escena.

Luis Fernando Peña muestra que es más que una película en esta obra. Si nunca lo han visto en teatro esta es una obra en la que lo redescubrirán. Si son actores o aspirantes es una obligación ver la catedra que da en improvisación, dominio escénico, del público, de compañerismo y claro actuación. El Meave es un tipo al cual uno siempre va a querer como brother y no de enemigo.

Rene Dupeyron merece ser llamado héroe por su labor como actor y productor. Pocos (o tal vez ningún otro) se atrevería a hacer esta obra; el lo está ejecutando por segunda ocasión. Los giros que debe ejecutar en escena son precisos, es duro ver como su personaje evoluciona. Sin adelantar nada en la trama, solo les digo que estén muy pendientes de lo que pasa en su cabeza.

Carlos Speitzer es un actor que hace cosas diametrales en tele y en teatro. En las dos facetas es bueno. Una sombra viva en el principio de la obra que poco a poco va mostrando sus colores. Necesitamos más actores comprometidos con el crecimiento actoral como lo esta haciendo él.

Emmanuel Okaury carga con la comedia en el principio de la obra, pero para el segundo acto olvidaremos todo esto por el giro que debe vivir. Su monólogo es devastador, conmovedor y doloroso en la forma en la que termina.

Eduardo Barquin el mas joven del elenco no se achica ante el reto. Tiene mucho terreno para subir todavía más en cuanto a su labor en las tablas. Y es fundamental que aproveche esta oportunidad y siga haciendo proyectos que le representen un desafío. No solo seas una cara bonita.

 

El aplauso es para todos por su gran sacrificio emocional en el escenario semana a semana. Esta manada merece que todos la apoyemos. Ellos si entienden esa mentalidad, predican con el ejemplo arriba y abajo del escenario. Habrá algunas funciones con debate al finalizar lo cual es importante pues el impacto es demasiado; se necesita muchas veces desahogar lo vivido a través del teatro. Secuestro es una obra que te dejará con un nudo en la garganta, pero en verdad es muy necesario sentir esto hoy para decir BASTA.

Calificación: 8/10

Telón de Asfalto

Jueves 20:30 hrs

 

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SEMINAR (Crítica)

02/02/2020

Lobos Producciones acierta y presenta su primera obra fuera de la autoría de Reynolds Robledo. ¿Por que empiezo así? Simple; porque está es una historia que de haber buscado hacer algo similar no llegaría a la gran resolución que he encontrado al final y que me ha golpeado con un knockout contundente. La presentación por parte de la prensa de espectáculos no ha logrado llegar a la verdad dentro de la obra. No busco ser un erudito, simplemente les quiero dar a conocer algunos detalles que les ayudarán a disfrutar SEMINAR y que salgan del teatro con entretenimiento y conocimiento nuevo.

Cuatro jóvenes escritores pagan a un “afamado” escritor y editor para que les imparta un taller en el que revisarán sus trabajos con el objetivo, en principio, de lograr reconocimiento en el competido mundo de la escritura. La premisa puede sonar lejana o banal; ¿pero no es eso lo que todos buscamos? La competencia es algo natural en el ser humano en todas las áreas. El éxito, como lo quieran nombrar, es lo que pretendemos tocar al despertarnos en el día a día.

No quiero diseccionar la obra para que ustedes descubran la línea tan inteligente que se desarrolla. Eso si, les puedo advertir que el primer acto puede parecer demasiado pretencioso, banal y sin miramientos a ser algo cercano a las masas; sin embrago, les prometo que eso es solo para poder plantear este mundo que descubrirán al final se parece a muchas realidades. Theresa Rebeck nos muestra como el ser humano es cíclico y que solo basta abrir los ojos para descubrir esta verdad para lograr evolucionar. La obra no trata de personajes alejados, es un rompecabezas todo en uno que se va acomodando en la mente del espectador conforme llega a su conclusión.

Diego del Río dirigiendo obras de texto es mejor y alegra verlo sin sus musas en el escenario. Todos los involucrados en el arte deben ampliar sus posibilidades y círculos. Lo felicito por la forma de atacar cosas difíciles de ejemplificar o hacer visibles en el teatro. Es un lenguaje que pocos logran hacer amenos para el espectador general. La música, los recursos y movimientos logran este objetivo. Felicidades.

Rafael Sánchez Navarro es tachado de sangrón. Para el ojo ordinario podrían decir que actúa de el mismo; pero esto es una mentira. La llama que ocasiona con su Tomás en los jóvenes y en el público es algo que pocas veces sucede. Si te topas en tu vida con alguien así o lo logras ser tu mismo lo odiaras y lo valoraras al mismo nivel siempre.

Aida del Río es Karen, la anfitriona de las reuniones, de clase acomodada. Ella vive uno de los puntos de quiebre más espectaculares de la obra. Podemos verla en muchos momentos “sufriendo” por ser el patito feo, pero su transformación final es un deleite. Interesante ver su cambio sin poder escapar.

Octavio Hinojosa es el responsable de que la obra llegara a este puerto. Su interpretación de Martín es fiel reflejo de la crítica a lo establecido. ¿Cuantos así han conocido? Su viaje lo vuelve héroe y villano a lo largo de la obra. Su voz va en ascendente, se aplaude que en el momento crítico no duda y busca preservar su alma para el bien.

Cristian Magloni encarna a Daniel; quien podríamos pensar es quien más fácilmente recorrerá el camino del éxito al haber estado en todos los círculos debidos y al tener familia y conexiones en el medio. Sin embargo, son estos elementos los que lo muestran como un ser vacío y que tal vez habla de más para remarcar su posición en el grupo. La forma en que descubre su verdad y la del mundo es brillante al hacernos ver que todo tiene dos versiones.

Begoña Narvaez es la parte del deseo sexual de la obra. Para algunos puede ser un cliché una mujer como ella y que debería ser eliminado, pero es mucho más lo que sucede en su personaje que lo que podemos ver. A Sophie hay que observar a detalle y recordar que las apariencias y la realidad son muchas veces diametralmente diferentes.

En la competencia de la vida son pocos los que llegan al triunfo final que, la mayoría, ven como objetivo final. Llámalo fama, llámalo dinero, llámalo reconocimiento, llámalo como quieras; pero hay quienes quieren ver más allá de lo evidente. SEMINAR es esa visión. Acepta que no todo va a ser elogios, no todo va a ser trabajo duro; finalmente lo importante es vivir para lo que te haga feliz. ¿Que tan dispuesto estás a ayudar realmente a aquel que se cruza en tu vida?

Calificación: 9/10

 

Teatro Milán
Viernes 20:45 hrs
Sábado 18 y 20:30 hrs
Domingo 18:15 hrs

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Los Camaleones (Crítica)

23/6/19

Tatiana del Real actúa y produce un monólogo con el cual retrata la vida de una mujer lesbiana que, como algunas todavía, se encuentra en una doble vida. Comienza el diálogo dirigiéndose a su padre quien, al parecer, conoce sus preferencias. Toda la conversación sería de lo más normal si se tratara de la relación de un hombre con una mujer, pero es mas complejo al entender la situación de la protagonista.

Y es que cuantas veces no hemos nosotros mismos llevado a una pareja a casa y debemos ocultar un poco las apariencias. ¿A cuantas chicas no hemos presentado solo como una amiga más? ¿Cuantos chicos son solamente un compañero del trabajo? Pero realmente son algo más, son una parte importante del accionar sentimental. La explicación del descubrimiento del amor, el no ser igual a todos los demás nos van involucrando en la vida de nuestra protagonista.

Que bonito es cuando uno se enamora; pero cuanto duele cuando esto termina. Al llegar a este punto, uno comprende el porqué de esta conversación en privado entre padre e hija previo a la reunión familiar de la Navidad. Y este es el punto medular del monólogo: ¿como vivir este dolor cuando es diferente a lo que la familia esta acostumbrada?

La conclusión de la obra cae como balde de agua fría. Sin querer arruinar la experiencia teatral solamente quiero decir que el amor es amor sin importar el color, envase o forma. Mientras que no se esté dañando a nadie más, debemos respetar el amor. Una gran experiencia

 

Calificación: 9/10

 

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Teatro ➜ https://goo.gl/maps/8Waz6pkKyCnxg5HK9

 

Tatiana del Real

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Vuelve Pieza Inconclusa Para Sofa y Dos Cuerpos (Crítica)

15/1/19

Vuelve a las tablas esta obra que nos muestra como nace el amor en los tiempos actuales. Para darle nueva vida se integra al elenco Luz Ramos, quien comparte escena con Alfredo Gatica y María del Carmen Félix. Como una segunda novedad tendremos una nueva versión gay, ahora interpretada entre las dos mujeres.

 

¿De que va la obra? Diego es un fotógrafo que se enamora de una chica que ha visto varias veces en el transporte público. Esta chica, es Bea, una abogada que también esta flechada por él. La historia inicia cuando los dos deciden dar el paso de conocer al otro. A lo largo de la obra vemos como van avanzando de un gran enamoramiento, a la vida en pareja, tratando de sobrevivir a la vida del otro. La verdad es compleja pues son dos seres muy diferentes. Por un lado, Diego es un alma muy libre, creativo y si un horario que rija su vida. Mientras tanto, Bea es una mujer estructurada, con una mente un poco cuadrada, que liderara por soportar al que comparte ahora su espacio.

Algo que caracteriza a la obra es que es, como lo dicta el nombre, una pieza inconclusa. Si bien vemos como todo al principio es belleza y romance, vamos viendo como la rutina se apodera de sus momentos, las discusiones por una amplia gama de temas, hasta la separación. ¿Pero que sigue después de eso? No acaba ahí la vida, esta sigue y debemos continuar. Pero la respuesta a esta ultima etapa de la vida debe ser resuelta por cada uno de nosotros.

La escenografía esta integrada por un sofá-cama que se transforma en lo que requiere la escena. Desde la cama donde ocurre la intimidad de los personajes, un vagón del metro, la sala del departamento que comparten e incluso la línea imaginaria que los divide mientras hablan entre ellos por teléfono. El recurso es inteligente y me fascina pues, en mi opinión, cuando tienes buenos actores, en conjunción con un buen texto, bien traducido por el director, los demás elementos se convierten en adornos para apoyar a todos los anteriores.

Alfredo Gatica es un gran soporte en el papel de Diego. En momentos es el foco de atención y lo hace destacando con su presencia física. Muestra el lado tierno que puede tener el hombre, la inocencia, irradia el calor que se vive con el ser amado, se vuelve un patán perfecto cuando llegan ciertos momentos e incluso se molesta como cualquier ser humano por las cosas mas insignificantes del mundo. Ha mejorado sus tonos de voz.

 

Vimos el debut de Luz Ramos, a quien recientemente actuó en Los Caballos Fueron Cobardes, quien estuvo a la altura del reto que representa la obra. Me gustó que fue una Bea diferente a la que interpreta María del Carmen. Es una mujer más dulce y juguetona en el coqueteo en escena. Maneja muy bien su cuerpo para ser un imán para las miradas de los espectadores. No tiene tanta “fuerza” pero lo compensa con una firme presencia que no deja hacer menos ante Alfredo. Buen manejo de voz. Un cuerpo hermoso… y si no me creen vean las imágenes.

Quedamos a la espera de ver nuevamente en escena a María del Carmen Félix y la nueva versión. El horario es un poco raro, pero es una buena opción para el domingo.

 

Calificación: 9/10

La Teatreria

Domingo 5pm y 7pm

 

 

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Inicio de actividades con Rosca de Reyes

Como inicio de actividad en teatro para el 2019 SRM Ent y Oscar Rubí nos invitaron a los medios de comunicación a partir la tradicional rosca de reyes con los elencos de sus tres producciones, así como a disfrutar las funciones especiales por la temporada navideña que estaban por cerrar.

La primera cita fue el viernes 4 de enero en el palacio de Cenicienta que tuvo cede invernal en el Nuevo Teatro Silvia Pinal. El elenco encabezado por Leslie Martinez y Lolita Cortés recibieron a la prensa esperando seguir contando con su apoyo y esperando seguir en el gusto del público ahora que inician su 8tvo año en cartelera.

El sábado 5 de enero fue de maratón. Algunos compañeros de prensa disfrutaron de las dos obras que se estuvieron presentando en el Teatro Xola-Julio Prieto y del delicioso chocolate y unas roscas deliciosas. Las Maduras, Solteras y Desesperadas se unieron a los Mosqueteros del Rey para afirmar lazos de amistad con la prensa especializada.

Como dato curioso los niños Dios se quedaron todos en el lado de los caballeros. Ahora esperemos al Día de la Candelaria.

Para ver más imágenes de los eventos especiales, visita el álbum en Facebook dando click aquí 

Los favores de Sor Juana (Crítica)

14/10/18

Esta obra llega de una forma rara a su servidor, como una recomendación de la misma producción a verla. Estas invitaciones llegan en varias ocaciones, y como maldición casi siempre son malas experiencias. Esta ES la excepción a la regla.

Obra en un formato muy rara vez visto pues se llega a quedar guardado en las aulas o en lugares con etiqueta de “culturales” que alejan al público general. El texto es muy desconocido en México ya que su registro está en España. Una poesía de Sor Juana Inés de la Cruz declamado a dos voces. La interpretación de Sor Juana corre a cargo de Lu Bautista quien nos lleva entre versos a conocer la amistad y amor que tuvo con la Condesa de Paredes (Esperanza Morett). En una escenografía que sirve para velar el secreto que guardan estas dos mujeres en una época de represión y demasiados estigmas coronada perfectamente por la música del Ensamble Kalani.

Salgo de ver “Los favores de Sor Juana” con el corazón feliz y tocado por belleza pura. La música, el texto, la dirección, la actuación, vestuario, escenografía son perfectos para esta propuesta. No tiene nada de malo ver a los foquitos navideños que hay en cartelera o teatro comercial… pero para los que les gusta ver algo diferente, para los que les gustan los clásicos y los verdaderos amantes del teatro esto es un “must”

No les voy a mentir, es una obra que, para el público general, puede ser un poco difícil de digerir y seguir al momento. Hago esta advertencia para que, quienes la vean, lleguen descansados, con la mente y oídos abiertos. Prepárense para procesar el texto de Sor Juana. Si nunca han leído algo de ella (que lo dudo) van a correr a querer conocer más de ella.

Calificación: 10/10

La Teatería

Viernes 9pm

 

Los Cuentos de la Catrina (Crítica)

16/10/18

Obra de la temporada de Muertos. Narra la historia de la familia Martinez que, extrañamente, es fanática de la festividad. Y digo rara no en un mal sentido, lo digo porque, tristemente, se habla luego más del Halloween. Los niños son los guías del inicio de la historia al buscar la atención de los padres en una situación que se vuelve duramente real. Los adultos han perdido las ganas de tener actividades en familia en pro de una mejor vida para la familia a través del trabajo.

Gracias a la magia existente en el teatro llega a la casa de los Martinez los xoloitzcuintles guardianes del más allá para abrir camino a la Catrina Mexicana y a su amigo americano Mr. Treat or Tick. Ellos comienzan a jugar con los niños, leer calaveritas y a preparar la ofrenda. Entre todos estos cuentos vamos descubriendo las historias de los padres y por que dejaron a un lado su amor por las tradiciones mexicanas. Y como buena historia para la familia tiene que haber un villano, aunque este termina siendo un aliado para unir más a la familia a través de buenos juegos y de valiosas experiencias.

 

La idea de los “especialistas” en fiestas no fue de mi agrado al principio. Sin embargo, con el desarrollo de la obra fue tomando sentido hasta llegar a gustarme. Nada predecible, cada historia y pequeño giro son bien llevados. Me encantó el punto de que no se hizo menos a la festividad americana, sino que se le trató como lo que es, una fiesta relacionada que puede convivir con la nuestra. Único punto a mejorar sería que todos los vestuarios tuvieran la misma calidad. Gran opción para los niños. No se preocupen padres, no se van a aburrir. Inicien el fin de semana con esta obra y luego vamos a poner la ofrenda todos juntos.

Calificación: 9/10

Solamente 4 semanas
Teatro Milan
13, 14, 20, 21, 27 y 28 de octubre
3 y 4 de noviembre
11am y 1pm

Una disculpa por las fotografías, pero no fuimos invitados como prensa en esta ocasión y solamente pude usar mi celular en una función de previos. Gracias a Claudia Lizaldi por la invitación..

CANCIONES PARA UN NUEVO MUNDO (Critica)

23/7/18

Hay un productor (el más poderoso de México) que hace tiempo dijo que en este país no había talento. Que se veía en la necesidad de salir a buscar quien llenara un teatro. Esto, pese a que iba a montar una de las obras más poderosas de la historia. ¿Por qué comienzo con estas líneas la crítica? Simple. Se nota que no ha visto lo que hacen estas cuatro voces en un escenario. Y todos MEXICANOS.

El Teatro Milán se confirma, a mis ojos, como uno de los mejores espacios en cuanto a su estructura y en cuanto a la selección de proyectos que se presentan en el recinto. Rara vez hay algo malo. Canciones para un nuevo mundo es un musical con 20 años que por primera vez se presenta en español a nivel mundial. La premisa es simple: en cualquier momento comienza una nueva realidad, un nuevo mundo y no nos queda nada más que “tomar al toro por los cuernos”.

Un escenario abierto nos recibe con un montón de sillas que bien podrían estar abandonadas en una bodega. Pero estos simples elementos se transforman en nuestra imaginación gracias a cada canción y a pocos elementos extras. Son tan extraordinarias las voces que no requieren de coros extra, luces, vestuarios llamativos u otros adornos. Son extraordinarios por si solos.

 

Con momentos de comedia, de romance, tragedia y descubrimiento es como se desarrollan estas 16 canciones. Vamos a hablar un poco de cada una de estas voces que tienen cada una su propio sabor y color. Y es gracias a su disciplina que logran brillar cada uno en el momento que les corresponde y de igual manera hacer brillar aún más a cada uno de sus compañeros. No hay mezcla más perfecta en cualquiera de las combinaciones que pueden venir a la mente.

Paloma Cordero es una de las 5 voces femeninas más impresionantes que he escuchado en mi vida. Tiene una bis cómica natural que brilla en las interpretaciones individuales que tiene. Potencia, presencia y personalidad. Generosa en el apoyo escénico. Decir que te deja sin habla es poco. Bien podría recibir una ovación de pié tras cada canción, pero hay que seguir con el show.

Majo Pérez es, actualmente, parte de la columna vertebral del teatro musical en México. Con cinco proyectos en cartelera la podemos disfrutar casi toda la semana. De los cuatro, es la mas teatral en su desenvolvimiento escénico. Sus canciones son las románticas. Como plus ella puede ser considerada la bandera de la compañía pues es ella la que queda en la memoria cuando canta “un mundo nuevo que se asoma…”. Una delicada flor que baila en el escenario enamora todos los sentidos.

Anuar es el elemento sorpresa. Ya es bien conocida por el gremio su voz, pero en esta ocasión sale a brillar toda esa magia que tiene. No creo que exista alguien vivo que pueda hacer lo que él. En sus solos explota, en los acompañamientos enaltece a sus compañeros. Podrían decir que se excede o se luce de más. Yo simplemente los invito a disfrutarlo pues es ASOMBROSO.

Abel Fernando es la experiencia y elegancia. Una voz masculina con garbo y porte. Es raro pero refresca en su primera intervención y marca la pauta de lo que será el espectáculo. Las canciones que le tocan son con las que más me relacioné y que narran muchos pasajes de mi vida actual. Podría protagonizar cualquier marquesina, deleita en cada nota que interpreta.

Inicia la semana con el pie derecho. Llena de luz y alegría tu corazón con estas canciones. Si como yo, eres un audiófilo, no puedes perder esta propuesta única.

Calificación: 5/5

Solamente estarán en el Teatro Milán hasta el 21 de agosto. Funciones lunes y martes a las 20:45 hrs (salen de ahí a las 22:30 hrs aproximadamente). Pueden comprar los boletos dando click aquí.

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Urinetown, la obra que nadie esperaba (Crítica)

20/2/18

Me arrepiento de apenas poder escribir de esta obra de teatro que tiene tantos elementos, que seguramente alguno se me escapará. Comencemos por dos puntos extra escenario que, en otras circunstancias, no comentaría. Urinetown es un sueño loco de Mark Hollmann, y lo marco de esta manera puesto que nunca pensó que llegaría a ser algo grande. Creado en 2001, nunca pensó que llegaría a Broadway, pero lo logró. Creyó que ese era el techo, pero se realizó un tour nacional por Estados Unidos, para después ser nominado y ganar dos premios Tony. Para la crítica americana, Urinetown es como un barco pirata que llegó para hacer puerto en Nueva York, nunca imaginaron que esta obra, tan diferente llegara a cautivar al público.

En el caso de la puesta mexicana, su historia también es de resaltar. Ícaro Producciones tiene su nacimiento en Querétaro, desde hace cuatro años han montado esta obra en una versión “diferente”. Su director, Miguel Septién fue el encargado de la traducción y adaptación de la obra. Curiosamente lo hizo solo con el guión y música (autorizado, claro esta); pero nunca la vio en Broadway.

Con diversos esfuerzos han tenido la fortuna de recibir la aprobación del creador americano para seguir con esta versión. Juan Torres fue invitado a verlos en el Teatro Metropolitano de Querétaro (con aforo de 1,375 butacas) y quedo tan enamorado que los apoyó para llegar a mostrar su talento en la Ciudad de México. Y en una historia similar a su contraparte americana, creyeron que el techo era estar en el Teatro Hidalgo entre semana, para después presentarse en una temporada en fin de semana. Ahora se sienten como Cenicienta, presentándose en uno de los mas bellos espacios de la ciudad, el Teatro Milán.

Pasando a la critica de la obra asusta de lo actual que es; una sociedad que ha exterminado el recurso del agua, para pasar a ser un bien de lujo y que se debe de pagar a un alto precio para ser usado para algo tan simple como lo es el baño. El tono es de sátira y burla, no solamente a esta situación, sino también a todo lo que puede estar establecido dentro de un musical clásico de Broadway; el guapo que “debe” ser el héroe, la niña bonita que “debe” enamorarse del único guapo, la guerra de clases sociales, la forma en que están establecidos los ritmos en las comedias musicales y un sin fin de clichés más. Eso si, siempre se nos aclara que no es como otras historias. Aquí nos presentan los dos puntos de vista para que sea el público quien decida quien es el bueno y quien es el malo, o incluso, decidir que no hay blanco o negro en estos asuntos.

La comedia tiene un ritmo muy bueno, además de que se aplaude que pese a las duras situaciones nunca se recurre a las malas palabras, convirtiéndola en una obra para todas las edades. Las armonías en las canciones son ejecutadas al nivel de cualquier producción de alto nivel, demostrando que el talento en México es infinito, solo es cuestión de querer salir a encontrarlo. No necesitan de un foco navideño para hacer que el público les aplauda tras cada número musical o que muera de risa tras situaciones absurdas como el cierre del primer acto. Incluso, en mi opinión, esta de más decir que es el musical que revolucionó Broadway, pues lo están haciendo con el mundo.

Urinetown se convierte en una obligada visita para los teatreros de todo el mundo. Esperemos que no se vuelva realidad y que toque conciencias. Esta es una perfecta muestra de cómo los artistas hacen su parte para mejorar al mundo desde su trinchera. Corran a verla….

 

Calificación: 5/5; encuentren un buen ingeniero de audio por favor.

 

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Panda Malo, celebra la diversidad (Crítica)

24/2/18

Hay temas que luego son difíciles de hablar o tratar. Afortunadamente han sido muy inteligentemente abordados gracias al auge del genero del Stand-Up Comedy. Para muchos esta forma de comedia es un tipo que solo debo quejarse, burlarse o decir groserías, pero la verdad es que no tiene nada que ver con esto. Si bien en un nivel básico es una introspección, para el escritor avanzado es una muy atinada observación de la sociedad que le rodea. Precisamente esto es lo que logró Megan Gogerty con el texto de Bad Panda.

Cuando solo quedan dos pequeños pandas en el mundo, Gwo-Gwo y Marion, y es temporada de apareamiento, hay que hacer lo que se debe hacer. ¿Pero como? Ellos solo saben jugar, comer bambú y claro, ser tiernos. A esa difícil mezcla, hay que agregar al cocodrilo Chester, depredador alfa, que queda cautivado por estos omnívoros gigantes originarios de China. ¿Pero por que están compartiendo un espacio estas dos especies? Es difícil de entender pero todo es culpa de “ellos” y son “ellos” los responsables de muchas cosas en los alrededores de su ecosistema.

 

La forma en que son tratados los temas es genial. Es hasta que uno da una segunda mirada a cada escena que se da cuenta lo complejo de los temas que están tratando estos tres animales. Desde la identidad sexual, el rol social con el que uno nace, los paradigmas que difícilmente se pueden cumplir actualmente, la paternidad, la amistad, la relación de pareja, la maternidad. Si esto no fuera puesto de forma antropomórfica tal vez sería una obra más seria, pero el que lo estén haciendo de esta forma, les permite ser cómicos, simplones y, aunque suene raro, más reales que los propios humanos.

La dirección y adaptación de Miguel Santa Rita es muy buena, felicito sobre todo el riesgo de ejecutar la obra, en el cambiante espacio que es el Foro Lucerna, al ponerlo en un formato de arena. Los personajes se vuelven memorables. Uno termina enamorado de ellos y queriendo correr a abrazarlos al final de la función. José Ramón Berganza (Gwo-Gwo) alterna de ser tierno a ser una figura dominante, con momentos de duda que lo hacen el más cambiante. Paola Arrioja (Marion) es la más bonita osa panda que nos podemos imaginar, reflejo de muchas mujeres que quieren, pero al mismo tiempo no quieren. Pablo Perroni (Chester) nos muestra que es un actor completo, desde la comedia física, siendo tierno, rudo, sensual… creo que no le falta tocar ninguna emoción aquí. Resaltar que tiene un gran ojo para los proyectos entretenidos de teatro. Como actor se saca un diez, pero como productor merece un 100.

 

Calificación: 5/5

Los Hijos También Lloran (Crítica)

20/2/12

 

Obra original de Andy Zuno (también “protagonista”) que tiene una narrativa rara. Situada en el año de 1985, juega con muchos elementos propios de la gente que vivió esa década. Un tiempo muy diferente donde todo el mundo vivía un entorno social muy parecido; no había tantas opciones en la televisión, en música, en cine o hasta de formas de vivir. Creo yo, que hasta fue esa la época donde comenzaban a “experimentar” con la educación de los niños vía la nana televisión.

La historia es de un niño que tenía muchas ganas de nacer, pero que se ve abrumado, sin saberlo, por las situaciones de vida de sus padres. Este elemento es el que lo vuelve más un hilo conductor de la obra, más allá de un auténtico protagonista. Vemos a su madre (Ludwika Paleta) desde que es una estudiante, cuando conoce a su futuro esposo (Hamlet Ramírez), la boda, el embarazo, el parto, la muerte del padre y la relación con los abuelos maternos. El elenco es complementado por Pablo Perroni y Montserrat Marañon quienes interpretan a varios personajes a lo largo de la obra, siendo de los que más trabajo realizan y que muestran buen trabajo para diferenciar a cada uno de ellos.

La historia más parece una platica de terapia para buscar comprender que es lo que sigue en su vida. El tono de farsa y la alusión al ritmo de actuación de la televisión, o más bien de telenovela, puede no ser del agrado de los que son muy de teatro. Sin embargo esto se encuentra muy bien justificado por como es planteada toda la obra, y puede que ayude a jalar nuevos públicos a los teatros.

En mi opinión hay momentos de más en la obra, puesto que parecen más un relleno. Fui a ver la obra ya en dos ocasiones, y sigo sin encontrarle sentido a ciertos momentos en video. El púbico puede sacar alguna risa casual pero en su mayoría comienzan a ver sus celulares o relojes viendo cuanto falta para que termine la obra.

Calificación: 3/5

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Después de la lluvia (Crítica)

8/12/17

Esta obra es una muestra de que no existen obstáculos en la vida, son simplemente retos a superar. Iba a ser estrenada en El Circulo Teatral, pero los hechos del 19 de septiembre cambiaron todo. Su nuevo hogar es la Teatreria, lo cual implicó cambio de escenografía, trazos e incluso elenco. Pese a todo esto podemos decirles que vale mucho la pena ver esta obra.

Una pareja vive un reencuentro y se refugian en el departamento de ella durante una tormenta. La narrativa nos va mostrando sus recuerdos, en lapsos de presente y pasado. Desde el momento en que se conocieron en un restaurante, a una aventura en un motel, pasando por discusiones y claro, momentos de amor. En un tono muy actual, plantean al amor como algo que muta y evoluciona constantemente. Para esta pareja, interpretada por Tatiana del Real y Christian Ramos, todo puede cambiar de un momento al otro. De estar haciendo el amor, a dejar todo para ir con el otro amado, de ser desconocidos a compartir una mesa. El espacio de la Sala B de la Teatrería puede ser difícil, pese a ello lograron dominarlo casi a la perfección. Difícil reto para los actores los “cambios” de ambiente y vestuario para darle sentido al cambio en el tiempo, sumado a la dificultad de las escenas románticas en media oscuridad.

Puntos malos son la falta de precisión en el planteamiento de los personajes. No solamente se debe cuidar el texto, también la semiótica y el trato del personaje planeado en el escrito contra sus acciones. Siento que el cierre es débil, no me dejo satisfecho, esto no es culpa de los actores (puesto que vi la obra en dos ocasiones y viví dos finales) creo esto cae más en la dirección y adaptación. Sugiero una revisión de todos los elementos y estoy seguro que podrían ser una obra de calificación perfecta.

 

Calificación: 4/5