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Cambios en la crítica

Fieles lectores, a una observación de algunos compañeros y actores hemos decidido cambiar la medición de las obras de teatro a una de uno a diez (esperamos nadie inaugure la calificación cero). Esto lo hacemos debido a que, como no daba puntos medios, había obras que tenían una “alta calificación” junto con otras que en verdad la merecían. Esta medición será efectiva a partir de este momento, por lo cual tal vez volvamos a subir algunas críticas.

Para las obras de formato breve conservaremos la calificación de una a cinco estrellas.

 

NOS VEMOS EN EL TEATRO

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Art House Temp14 (Crítica)

RECORDATORIO: Las calificaciones para Art House se toman desde el momento previo a entrar a la sala. Se analiza la actuación, la obra, la escenografía, ambientación, iluminación, música y el acomodo del público dentro del foro comprendiendo el formato y diversos tamaños de cada uno.

 

 

Thriller. Una sala de interrogatorio es el escenario simple que nos trae esta obra. Un detective y un presunto culpable recapitulan los hechos ocurridos en una fiesta que llevó a la muerte de la hermana del segundo. Pero ellos no son los únicos en la habitación.

El guión es bueno, el elemento sobre natural es interesante pero no explotado a un grado lo suficientemente poderoso (que si se puede en el formato pues lo he visto). Lo menos en ocasiones es más, pero no hay que abusar en este precepto.

Son muchas variables en los elencos, de lo que he visto esta bien, pero creo que podría ser mejor debido a la calidad de las piezas. Hay algunos que deben esforzarse y otros que el director debe hacerlos trabajar mucho más.

Calificación: 4/5


Musical. Dos hombres y una mujer hablan del amor con canciones que hiciera popular Rocío Durcal. Amo ver a Grisell Margarita en escena, solamente debe cuidar su canto. Es muy buena, pero creo que saber esto la hace confiarse en ciertos momentos y notas, aguas. Es bueno ver a Edgar Marroquin en escena, pero creo que la obra podría subir si abre su visión a la voz de otros. No todo el trabajo es en la sala actualmente.

Muy actual situación; el triángulo romántico no es normal. Me gusta que le den mucha comodidad al público, pero creo compromete en igual medida el desarrollo escénico. La iluminación nos da un ambiente de nostalgia que en momentos es bueno, pero en otros instantes es demasiado.

Calificación: 4/5

 

Pieza. Segunda temporada (bueno, tercera). Al mas mero estilo de una sesión de ayuda en grupo, el público es integrado a la dinámica para conocer los problemas que viven algunos artistas anónimos. Mostrando la cara “no bonita” de vivir en el arte, es una obra que transmite un fuerte mensaje.

De la primera vez que la ví (Coyoacan) a esta “nueva” versión ha evolucionado y se ha convertido en una de las consentidas del público. Los actores la han hecho suya y esto les ha subido un punto la calificación con respecto a la primer temporada.

Asistan sean o no artistas a esta terapia que los hará conocerse más.

Calificación 4/5

 

 

Musical. Tercera temporada de ese gran concepto; copiado más no igualado. Una sala de espera de un ginecólogo es tal vez un lugar raro para desarrollar una historia, pero lo lograron muy bien con este texto. Cuatro mujeres en situaciones muy diferentes se encuentran esperando consulta.

He visto 4 elencos diferentes y logran mantener el nivel. Siempre encuentras buenas voces, actuaciones correctas, pero de igual manera, he topado con momentos que no son buenos y eso les baja la calificación. Es difícil trabajar continuamente con tantas actrices y en un formato breve, pero la calidad no debe caer. Esto debe ser salvado por la producción y por las mismas actrices.

Calificación: 4/5 (Me encantaría que hicieran un mini concierto en la sala grande y con música en vivo.)

 

 

Teatro físico. Un restaurante, ambientado con mesas, cubiertos, comida y bebidas es el escenario en el que vemos a un hombre que sufre. Debe lidiar con dos mujeres. La primera, con la que llega, controladora al extremo. La segunda, se la encuentra en el lugar, que la quiere llevar a los extremos del deseo.

Carlos Cravioto hace algo muy diferente ahora que vuelve al formato, bien por ser ACTOR. Las chicas con las que le toca interactuar se roban la obra pues son las que llevan gran parte de la carga de la actividad de la obra. No solo interpretan a las mujeres que mencioné al principio, también se transforman en otros pequeños personajes (sin cambio de vestuario) haciendo cambios de voz y lenguaje corporal para lograr el efecto deseado.

Bien por la iluminación que, cuando se ve el final, hace que tenga sentido toda la obra. Gran forma de limitar al público, pero, en el mismo nivel, tenerlos cómodos con el concepto del restaurante.

Calificación: 5/5 (Lo diferente luego asusta, pero esta apuesta gana)

 

 

Urinetown, la obra que nadie esperaba (Crítica)

20/2/18

Me arrepiento de apenas poder escribir de esta obra de teatro que tiene tantos elementos, que seguramente alguno se me escapará. Comencemos por dos puntos extra escenario que, en otras circunstancias, no comentaría. Urinetown es un sueño loco de Mark Hollmann, y lo marco de esta manera puesto que nunca pensó que llegaría a ser algo grande. Creado en 2001, nunca pensó que llegaría a Broadway, pero lo logró. Creyó que ese era el techo, pero se realizó un tour nacional por Estados Unidos, para después ser nominado y ganar dos premios Tony. Para la crítica americana, Urinetown es como un barco pirata que llegó para hacer puerto en Nueva York, nunca imaginaron que esta obra, tan diferente llegara a cautivar al público.

En el caso de la puesta mexicana, su historia también es de resaltar. Ícaro Producciones tiene su nacimiento en Querétaro, desde hace cuatro años han montado esta obra en una versión “diferente”. Su director, Miguel Septién fue el encargado de la traducción y adaptación de la obra. Curiosamente lo hizo solo con el guión y música (autorizado, claro esta); pero nunca la vio en Broadway.

Con diversos esfuerzos han tenido la fortuna de recibir la aprobación del creador americano para seguir con esta versión. Juan Torres fue invitado a verlos en el Teatro Metropolitano de Querétaro (con aforo de 1,375 butacas) y quedo tan enamorado que los apoyó para llegar a mostrar su talento en la Ciudad de México. Y en una historia similar a su contraparte americana, creyeron que el techo era estar en el Teatro Hidalgo entre semana, para después presentarse en una temporada en fin de semana. Ahora se sienten como Cenicienta, presentándose en uno de los mas bellos espacios de la ciudad, el Teatro Milán.

Pasando a la critica de la obra asusta de lo actual que es; una sociedad que ha exterminado el recurso del agua, para pasar a ser un bien de lujo y que se debe de pagar a un alto precio para ser usado para algo tan simple como lo es el baño. El tono es de sátira y burla, no solamente a esta situación, sino también a todo lo que puede estar establecido dentro de un musical clásico de Broadway; el guapo que “debe” ser el héroe, la niña bonita que “debe” enamorarse del único guapo, la guerra de clases sociales, la forma en que están establecidos los ritmos en las comedias musicales y un sin fin de clichés más. Eso si, siempre se nos aclara que no es como otras historias. Aquí nos presentan los dos puntos de vista para que sea el público quien decida quien es el bueno y quien es el malo, o incluso, decidir que no hay blanco o negro en estos asuntos.

La comedia tiene un ritmo muy bueno, además de que se aplaude que pese a las duras situaciones nunca se recurre a las malas palabras, convirtiéndola en una obra para todas las edades. Las armonías en las canciones son ejecutadas al nivel de cualquier producción de alto nivel, demostrando que el talento en México es infinito, solo es cuestión de querer salir a encontrarlo. No necesitan de un foco navideño para hacer que el público les aplauda tras cada número musical o que muera de risa tras situaciones absurdas como el cierre del primer acto. Incluso, en mi opinión, esta de más decir que es el musical que revolucionó Broadway, pues lo están haciendo con el mundo.

Urinetown se convierte en una obligada visita para los teatreros de todo el mundo. Esperemos que no se vuelva realidad y que toque conciencias. Esta es una perfecta muestra de cómo los artistas hacen su parte para mejorar al mundo desde su trinchera. Corran a verla….

 

Calificación: 5/5; encuentren un buen ingeniero de audio por favor.

 

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Panda Malo, celebra la diversidad (Crítica)

24/2/18

Hay temas que luego son difíciles de hablar o tratar. Afortunadamente han sido muy inteligentemente abordados gracias al auge del genero del Stand-Up Comedy. Para muchos esta forma de comedia es un tipo que solo debo quejarse, burlarse o decir groserías, pero la verdad es que no tiene nada que ver con esto. Si bien en un nivel básico es una introspección, para el escritor avanzado es una muy atinada observación de la sociedad que le rodea. Precisamente esto es lo que logró Megan Gogerty con el texto de Bad Panda.

Cuando solo quedan dos pequeños pandas en el mundo, Gwo-Gwo y Marion, y es temporada de apareamiento, hay que hacer lo que se debe hacer. ¿Pero como? Ellos solo saben jugar, comer bambú y claro, ser tiernos. A esa difícil mezcla, hay que agregar al cocodrilo Chester, depredador alfa, que queda cautivado por estos omnívoros gigantes originarios de China. ¿Pero por que están compartiendo un espacio estas dos especies? Es difícil de entender pero todo es culpa de “ellos” y son “ellos” los responsables de muchas cosas en los alrededores de su ecosistema.

 

La forma en que son tratados los temas es genial. Es hasta que uno da una segunda mirada a cada escena que se da cuenta lo complejo de los temas que están tratando estos tres animales. Desde la identidad sexual, el rol social con el que uno nace, los paradigmas que difícilmente se pueden cumplir actualmente, la paternidad, la amistad, la relación de pareja, la maternidad. Si esto no fuera puesto de forma antropomórfica tal vez sería una obra más seria, pero el que lo estén haciendo de esta forma, les permite ser cómicos, simplones y, aunque suene raro, más reales que los propios humanos.

La dirección y adaptación de Miguel Santa Rita es muy buena, felicito sobre todo el riesgo de ejecutar la obra, en el cambiante espacio que es el Foro Lucerna, al ponerlo en un formato de arena. Los personajes se vuelven memorables. Uno termina enamorado de ellos y queriendo correr a abrazarlos al final de la función. José Ramón Berganza (Gwo-Gwo) alterna de ser tierno a ser una figura dominante, con momentos de duda que lo hacen el más cambiante. Paola Arrioja (Marion) es la más bonita osa panda que nos podemos imaginar, reflejo de muchas mujeres que quieren, pero al mismo tiempo no quieren. Pablo Perroni (Chester) nos muestra que es un actor completo, desde la comedia física, siendo tierno, rudo, sensual… creo que no le falta tocar ninguna emoción aquí. Resaltar que tiene un gran ojo para los proyectos entretenidos de teatro. Como actor se saca un diez, pero como productor merece un 100.

 

Calificación: 5/5

Los Hijos También Lloran (Crítica)

20/2/12

 

Obra original de Andy Zuno (también “protagonista”) que tiene una narrativa rara. Situada en el año de 1985, juega con muchos elementos propios de la gente que vivió esa década. Un tiempo muy diferente donde todo el mundo vivía un entorno social muy parecido; no había tantas opciones en la televisión, en música, en cine o hasta de formas de vivir. Creo yo, que hasta fue esa la época donde comenzaban a “experimentar” con la educación de los niños vía la nana televisión.

La historia es de un niño que tenía muchas ganas de nacer, pero que se ve abrumado, sin saberlo, por las situaciones de vida de sus padres. Este elemento es el que lo vuelve más un hilo conductor de la obra, más allá de un auténtico protagonista. Vemos a su madre (Ludwika Paleta) desde que es una estudiante, cuando conoce a su futuro esposo (Hamlet Ramírez), la boda, el embarazo, el parto, la muerte del padre y la relación con los abuelos maternos. El elenco es complementado por Pablo Perroni y Montserrat Marañon quienes interpretan a varios personajes a lo largo de la obra, siendo de los que más trabajo realizan y que muestran buen trabajo para diferenciar a cada uno de ellos.

La historia más parece una platica de terapia para buscar comprender que es lo que sigue en su vida. El tono de farsa y la alusión al ritmo de actuación de la televisión, o más bien de telenovela, puede no ser del agrado de los que son muy de teatro. Sin embargo esto se encuentra muy bien justificado por como es planteada toda la obra, y puede que ayude a jalar nuevos públicos a los teatros.

En mi opinión hay momentos de más en la obra, puesto que parecen más un relleno. Fui a ver la obra ya en dos ocasiones, y sigo sin encontrarle sentido a ciertos momentos en video. El púbico puede sacar alguna risa casual pero en su mayoría comienzan a ver sus celulares o relojes viendo cuanto falta para que termine la obra.

Calificación: 3/5

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Después de la lluvia (Crítica)

8/12/17

Esta obra es una muestra de que no existen obstáculos en la vida, son simplemente retos a superar. Iba a ser estrenada en El Circulo Teatral, pero los hechos del 19 de septiembre cambiaron todo. Su nuevo hogar es la Teatreria, lo cual implicó cambio de escenografía, trazos e incluso elenco. Pese a todo esto podemos decirles que vale mucho la pena ver esta obra.

Una pareja vive un reencuentro y se refugian en el departamento de ella durante una tormenta. La narrativa nos va mostrando sus recuerdos, en lapsos de presente y pasado. Desde el momento en que se conocieron en un restaurante, a una aventura en un motel, pasando por discusiones y claro, momentos de amor. En un tono muy actual, plantean al amor como algo que muta y evoluciona constantemente. Para esta pareja, interpretada por Tatiana del Real y Christian Ramos, todo puede cambiar de un momento al otro. De estar haciendo el amor, a dejar todo para ir con el otro amado, de ser desconocidos a compartir una mesa. El espacio de la Sala B de la Teatrería puede ser difícil, pese a ello lograron dominarlo casi a la perfección. Difícil reto para los actores los “cambios” de ambiente y vestuario para darle sentido al cambio en el tiempo, sumado a la dificultad de las escenas románticas en media oscuridad.

Puntos malos son la falta de precisión en el planteamiento de los personajes. No solamente se debe cuidar el texto, también la semiótica y el trato del personaje planeado en el escrito contra sus acciones. Siento que el cierre es débil, no me dejo satisfecho, esto no es culpa de los actores (puesto que vi la obra en dos ocasiones y viví dos finales) creo esto cae más en la dirección y adaptación. Sugiero una revisión de todos los elementos y estoy seguro que podrían ser una obra de calificación perfecta.

 

Calificación: 4/5

PIEZA INCONCULSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS (Crítica)

16/11/17

El Teatro NH presenta los miércoles esta obra que semana a semana nos muestra como nace el amor en los tiempos actuales. Comenzando de la forma mas sencilla, un encuentro casual que se ha repetido varias veces en el metro, se convierte en una relación, primero casual, después formal, hasta llegar al punto de compartir el mismo espacio y evolucionar a la separación de los involucrados. Uno de los puntos que mas se aplauden es el hecho de presentar, de manera integra, el mismo guión en dos versiones. Abre los ojos el ver que el amor, el desamor y el romance puede ser igual sin importar que se trate de una relación hombre-mujer u hombre-hombre.

María del Carmen Félix es una de las mejores actrices de la escena mexicana. Desde que conocí su trabajo en 2014 en la obra de AMORatados quedé impresionado por su nivel histriónico. En este nuevo proyecto no decepciona, vuelve a entregarse en mente, alma y cuerpo en un texto complejo de ejecutar de la creación de Mariano Rochman. La vemos ser una mujer en todas las facetas que puede vivir en una relación de pareja. Desde la mujer sumisa, la furiosa, la coqueta, la actual ejecutiva, la enamorada hasta el tuétano y otras más que, como hombre, amamos y odiamos ver en nuestra pareja. Una mujer que cautiva al público con su mirada y rostro expresivo, un cuerpo que transpira sensualidad a todo el teatro y deleita a todos con sus cambios de vestuario en escena que dejan muy poco a la imaginación.

Su compañero en escena es Alfredo Gatica. Él se presenta en las dos versiones de la historia se pone a la altura del reto. Interpreta con pasión su papel de la parte masculina de la relación de buena manera. Esta es la primera vez que lo veo en teatro y no me decepcionó. Muestra el lado tierno que puede tener el hombre, la inocencia, irradia el calor que se vive con el ser amado, se vuelve un patán perfecto cuando llegan ciertos momentos e incluso se molesta como cualquier ser humano por las cosas más insignificantes del mundo como un par de jitomates. Su trabajo es, en momentos, el de soporte en la obra para su contraparte, pero incluso en esta situación lo ejecuta correctamente. De igual manera cuando sobre de él esta el foco de atención lo impone con su presencia física. En este punto lo que no me agradó fue el manejo de sus tonos de voz. Es un punto que se debe trabajar ya que no todo es con expresiones faciales o con el cuerpo, la voz también es una herramienta para el actor, sobre todo en el teatro.

La escenografía esta integrada por un sofá-cama que se transforma en lo que requiere la escena. Desde la cama donde ocurre la intimidad de los personajes, un vagón del metro, la sala del departamento que comparten e incluso la línea imaginaria que los divide mientras hablan entre ellos por teléfono. El recurso es inteligente y me fascina pues, en mi opinión, cuando tienes buenos actores, en conjunción con un buen texto, bien traducido por el director, los demás elementos se convierten en adornos para apoyar a todos los anteriores.

 

Calificación: 4/5

Bule Bule, El Show (Crítica)

15/11/17

 

Por más de dos años las noches entre semana se han convertido en una explosión de diversión gracias a esta obra perfecta para todas las edades. Presentándose actualmente en el Teatro Xola, Bule Bule, el Show es un concurso de canto con todo el encanto de la televisión de los años 60’s. Todas las funciones presentan un final diferente ya que en cada una hay una votación del público para determinar al ganador de la misma. Esta interacción involucra más al público y los hace a muchos repetir la experiencia sin importar si ganen o pierdan sus favoritos.

El programa es conducido por Freddy (Rogelio Suárez), amigo y amor de todas las mujeres. A como era la televisión en antaño hace desde la presentación del programa, de los concursantes y de los patrocinadores del programa. Rogelio Suárez se encuentra como actor invitado en este papel y le da la vuelta a lo previamente establecido. Es dinámico, ágil y divertido. Son 10 años los que lleva actuando en teatro sin parar, hoy más que nunca se muestra maduro y listo para cualquier reto. Muestra tintes de la técnica actoral de “clown”, se comporta en momentos como galán y sobre todo hace entretenido el programa/obra en sus intervenciones, como lo debe hacer todo buen conductor de televisión.

 

Las mujeres son representadas por Las Bombonettes; equipo integrado por Mary Jane (Majo Pérez), Mary Rose (Paola Mingüer) y la recién integrada a la obra Mary Joe (Gaby Albo).

Majo Pérez es la niña bonita del grupo que siempre existe en las escuelas. Ella es una actriz perfecta para el género de musical. Es una buena actriz, sus puntos más fuertes están en el canto. Lo complejo de su actuación recae en tener que coquetear con el público y, al mismo tiempo, evitar el romance con un miembro del equipo rival.

Paola Mingüer interpreta a la niña lista pero a la vez un poco loca, la clásica amiga leal. Muy a la par sus habilidades para actuar y cantar. Sus intervenciones son en tono de comedia en muy buen ritmo. Esta misma comedia la lleva a la práctica en algunos números musicales sin descuidar su canto. Después de todo, estamos en un concurso de canto.

Gaby Albo ha entrado a ponerle una energía diferente a su equipo. La chiquita pero picosa del trio es ruda y no deja de lado su personaje en ningún momento. Desde gestos de molestia al sentir el coqueteo de los hombres, hasta el mostrar su personalidad poco común con el conductor del programa, se convierte en algo que le da frescura a las mujeres y las hace verse más diferentes a cada una de ellas. Una voz que impresiona por su rango y preparación que tiene. Perfecta pronunciación tanto en ingles como en español.

 

Los hermanos Guzmán son Los Pillos del Rock; liderados por Enrique (Rodrigo Urquídi) y sus hermanos Jhonny (Iker Madrid), Alberto (Luis Villarreal) y su amigo César (Diego Medel). Con muy obvias referencias a los ídolos del rock’n’roll mexicano, son unos verdaderos pillos en el escenario. Se sienten los más galanes de México y usaran todas sus armas para conquistar al público asistente.

Rodrigo Urquídi es el líder del grupo. Su principal línea actoral corre en buscar ser el interés romántico de Mary Jane tras una cita. Pasa de ser el cazador a ser la victima en un par de canciones dejando en claro que la revolución femenina lleva mucho tiempo en desarrollo.

Luis Villarreal logra robar el foco de atención en varios momentos. Desde querer ser el “todas mías” del grupo, robarse una canción para dedicarla a las Mary e incluso querer ser de quien hablen todos. Cantante y actor de gran nivel.

Iker Madrid enamora con su particular tono de voz. Tiene grandes momentos donde se luce como intérprete y también con un poco de comedia física. La voz de la razón del grupo y quien más personifica el deseo de ganar.

Diego Medel se roba el corazón del público. Además de ser un gran intérprete, muestra ser un gran actor en su papel de ser el agregado al grupo. Alegre, cómico y un poco ingenuo es quien más se divierte en escena.

 

El repertorio musical va desde los clásicos del rock’n’roll mexicano hasta los éxitos en ingles, pasando por un popurrí de versiones de la Onda Vaselina, de una u otra manera conocen estas canciones. La diversión esta garantizada y como un punto extra la obra corre en un solo acto. Remarco este punto, ya que es algo que hace pensar el asistir a una función entre semana. Con duración de 90 minutos es una de las mejores opciones para llenarse de energía a mitad de semana.

 

Calificación: 5/5

 

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La Jaula de las Locas por 3 meses; o menos, 2 años en cartelera

6/11/17

Si hacemos un repaso histórico, Teatro de Primera nos ha entregado grandes proyectos a la escena teatral mexicana. Ese barco, comandado por los productores Memo Wiechers y Juan Torres, tuvo su ultima travesía en conjunto con la puesta de La Fierecilla Tomada. Me acerqué a ellos para preguntarles el por que de esta “pausa” laboral. Mientras que Memo buscaba descansar física y mentalmente de haber tenido una gran carga de trabajo, Juan deseaba descansar el alma y cumplir el sueño de estudiar. Pero la dama del teatro es una amante caprichosa que seduce a unos cuantos locos y no los deja en paz.

Fue en octubre de 2015 cuando Juan Torres, sorpresivamente, citó a los medios para presentar el proyecto de La Jaula de las Locas. Muy orgulloso se sentía de montar en el mismo recinto la obra que protagonizara Silvia Pinal y a la que el asistió en su momento como un teatrero más. Muy claro dijo que se sentía nervioso, pues era su primera producción sin su “brother”, la temporada será únicamente de tres meses pues tenía otras cosas en lo personal que realizar, pero “llego la oportunidad de hacer esta obra y no lo podía desaprovechar”.

El elenco era atractivo pues contaba con Mario Iván Martínez, Roberto Blandón, Patricio Castillo y Aida Pierce en los papeles protagónicos y dándoles la alternativa e impulso a jóvenes talentos que deben voltear a ver como lo son Rogelio Suarez, Israel Estrada, Jimena Pares, Luigi Vidal, Tanya Valenzuela y Pablo Rodríguez. Al concluir los 90 días celebraron la placa de las 100 y por el éxito extendieron temporada otros tres meses. Y así, sucesivamente se fueron hasta cumplir un año en cartelera entre momentos dramáticos, marchas que bloqueaban el teatro, cambios de elenco, presentaciones especiales, giras y reconocimientos por el juez más difícil: el público. Unos se fueron a realizar otros proyectos y se integraron otros más como Moisés Suarez, Maru Dueñas y Tomás Goros. En cada ocasión que hemos podido ver la obra vemos que se ha buscado mantener la calidad en cada aspecto, lo cual se ha vuelto el sello de presentación de Juan Torres en 20 años de producción a nivel nacional e internacional.

El pasado 3 de noviembre cumplió dos años en cartelera y 600 representaciones.

La Jaula de las Locas es un fenómeno. Se ha despedido y ha vuelto gracias al público que se ha vuelto loco por el proyecto. Son pocas los musicales de gran formato independientes que en los últimos 10 años han podido tener una temporada exitosa, gira con llenos por toda la república, disco original con ventas agotadas y sobre todo estar cimentados en el talento de una compañía que se ha vuelto familia. El mensaje esta más vigente que nunca: el amor es universal sin importar el empaque en el que venga.

Calificación: 4/5

Imágenes en el Teatro Manolo Fábregas click aqui

Imágenes en el Teatro Hidalgo click aquí

EL CURIOSO CASO DE DON JUAN TENORIO

1/11/17

 

¿Imaginaría este escenario en algún momento Zorrilla? El hecho de que su obra menos querida, pero la más popular, sería, en primera instancia vuelta comedia hasta el punto de ser una simple mezcla de gente “conocida” como lo es el actual y que provocaría el olvido de la prosa romántica y de aventura que había desarrollado para trascender en el tiempo.

Y este punto lo quiero destacar antes de hablar del montaje, pues su servidor, la producción y los actores se sorprendieron, rieron (y tal vez hasta se ofendieron) ante el desconocimiento por parte de un sector de la prensa al ser cuestionados por la misma sobre la puesta de este año del Tenorio Clásico. Y creo que la anécdota vale la pena al menos mencionarla, pues esto demuestra que somos pocos los verdaderos amantes y seguidores del teatro dentro del gremio. La situación fue simpe; se le preguntó a Violeta Isfel, quien interpretaría a Doña Inés, sobre como sería su vestuario y como lo haría sexy, pues “anteriormente lo han hecho Ninel Conde y mujeres muy sexuales”. Hasta que punto se ha olvidado que esto es un auténtico clásico que se ha representado por más de 150 años y que es una tradición en la temporada de Día de Muertos.

Pasando a la crítica de la puesta de ese año a cargo de Fénix Novohispano Compañía Nacional de Teatro resalto el hecho de buscar mantener viva la tradición en todos los niveles de la obra. No solamente mantienen perfectamente la prosa, incluyen también un cuarteto de cuerdas que sirve para llenar en los momentos de cambio de escena y un vestuario casi perfecto en cuanto al momento histórico (aquí estoy seguro que los actores son  los que más agradecen algunos adelantos modernos para no pasar momentos pesados en escena). Para los modernos puede parecer pobre la escenografía, pero esta es una obra que no requiere esos elementos que en ocasiones son adornos; la actuación, la dramaturgia y los actores son los elementos principales de la puesta. Cuando tienes estos tres elementos en un alto nivel no requieres nada más para hacer verdadero teatro.

Brígida es interpretada por Martha Ofelia Galindo, quien nos comentó que llegó al papel de casualidad, pero se siente agradecida y bendecida de volver al teatro. Hay que aplaudirle, pues es la verdadera piedra angular que evita que la obra se vuelva pesada. Tiene pocos momentos, pero los llena con comicidad y experiencia, lo cual pocas actrices pueden ejecutar. El papel no es cómico, lo que lo vuelve a este estilo es la dirección (de Francisco Hernández) y una actriz con esa capacidad que pocas llegan a desarrollar.

Violeta Isfel logra, en mi opinión, su titulación en maestría con este trabajo. Para muchos seguirá siendo la niña caprichosa, “sueño que muchos quisieran hacer realidad”, pero después de verla en formatos breves, musicales infantiles y otros pequeños papeles en telenovelas quedo deleitado y satisfecho con su trabajo en el complejo papel de Doña Inés. Como ella lo mencionó “todos deberían hacer un clásico en su carrera, pues es un gran reto”. Yo te aseguro que lo superaste perfectamente. Le falta algo para dar el siguiente medio paso para ser una de las importantes de la escena nacional y que le podría dar como consecuencia muchas más cosas buenas en su carrera profesional.

El elenco es complementado por actores que trabajan constantemente para la compañía como Miguel Alonso y Claudio Morales en los papeles de los rivales Don Juan y Don Luis; Eugenio Bartilotti como Ciutti y Jessica Gámes como Doña Ana son personas a las que hay que echar un ojo pues se les ve tabla y amor por la profesión.

Para cerrar solamente pido a la dama del teatro que nos deje ver más años un Tenorio Clásico de calidad, que llegue a escuelas, pueblos y al público en general pues lo hemos oído a lo largo del tiempo sin saber que de aquí sale el clásico “no es verdad ángel de amor…”. Clásico no debe ser sinónimo de aburrido; al contario, es la base de todo y debemos verlo, respetarlo y admirarlo.

Calificación: 4/5

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Más de 45 mil (Crítica)

Vivimos un momento social que seguramente veremos con asco en algunas generaciones (siempre y cuando arreglemos las cosas). El hombre se devora a si mismo más que nunca y como siempre es labor del teatro hacernos ver la realidad para buscar, con su catarsis, la apertura de estos difíciles temas.

Más de 45 mil narra la vida de Tomás, un hombre que publicamente podemos calificar como una escoria, pero que de alguna u otra forma hemos vivido en su circulo y no hemos hecho algo para detenerlo. Nos narra el poder que posee su familia y todo gracias a su habilidad para enganchar jovencitas y llevarlas al mundo de la prostitución. Aunque no es su único negocio, es el que se vuelve el eje de la historia y como la vida lo va llevando con desiciones y giros a enfrentarse a si mismo.

Pascasio López interpreta a Tomás. En el escenario se le puede ver como un hombre común, pero su poder está en la forma de moverse y hablar con las mujeres. Eso es tan real que duele (pero es un dolor que me hace aplaudirle). Si en la vida real se lastimó la mano o no, me parece un rasgo que sería interesante para el personaje, ya que lo muestra humano pese a su posición de “todo lo puedo” y me gusta más que el símbolo de su vida y la casa donde vive.

Tatiana del Real afronta el reto de interpretar a Carmen/Yadira y a su propia hija. Las dos son diametralmente opuestas, mientras que la madre vive con el dolor del “negocio” en el que ha caído soportando hombre tras hombre en la cama y la hija es tan inocente para el mundo que no comprende lo que esta ocurriendo en su realidad ante tantos giros con la muerte, la relación con su progenitor (porque no lo podemos llamar padre), el intento de adaptarse gracias a la escuela. La transformación debe ocurrir en segundos y se nota en su forma de hablar, su tono, su parado y en la mirada que lanza al mundo que va del odio a la inocencia.

Andrea Méndez y Rodrigo Magaña tienen la difícil tarea de encarnar diversos personajes a lo largo de la obra. Desde familiares, maestras, prostitutas, socios y cualquier otro que se atraviese en el camino de la familia. Mediano es el resultado de ellos, volviéndose a mis ojos la parte débil de la obra. Sin embargo en algunos personajes su ejecución es buena, lo cual rescata su actuar.

 

Calificación: 4/5

EXTRA: Creo que es una obra muy poderosa que si te deja pensando. No es para los que están combatiendo, es para los que son vulnerables a la situación para que aran los ojos. Y aunque suena utópico, es bonito pensar que el amor nos puede cambiar… la cuestión es que ese amor llegue a quien lo necesita, no importa la forma final. La lucha comienza en nuestras casas; reparte amor entre los tuyos antes de buscar salver a otros.

Teatro en Corto 8 #Coyoacan (Crítica)

NOTA: Debido a las nuevas políticas establecidas a raíz de el abuso de supuestos medios de comunicación, nos vemos en la penosa situación de reducir el número de críticas en cada casa de Teatro en Corto.

 

RECORDATORIO: Las calificaciones para Teatro En Corto se toman desde el momento previo a entrar a la sala. Se analiza la actuación, la obra, la escenografía, ambientación, iluminación, música y el acomodo del público dentro del foro comprendiendo el formato y diversos tamaños de cada uno.

 

René Franco debuta como actor en una comedia muy interesante que es un obvio juego de palabras entre una serie de Netflix, un popular refresco (que desgraciadamente ya no sabe tan genial) y el anglicismo de nuestro idioma.

Lo más interesante es que la autora es invidente y para alguien como yo que es totalmente auditivo es un deleite, pues no se ponen muchos recursos visuales y la mayor parte del peso actoral esta en la forma en que se dice el texto.

Una comedia en un punto casi perfecto, no es ligera, no es fuerte… esta justo en ese pequeño espacio entre las dos balanceando perfectamente.

Calificación: 5/5

 

Comedia ligera en la cocina durante un desayuno. Me gustó pero más me parece un sketch de un programa de revista. Nos muestra lo que debe pasar una madre soltera al criar a dos adolescentes y buscar retomar su vida amorosa.

No me gustan los cambios en los elencos anunciados y más porque ya es la segunda vez que me lo hace una de las actrices. Desconozco las razones, pero eso me hace dudar de su talento y si, lo acepto, me arruina un poco mi experiencia. Esta cocina es complicada, cuiden el acomodo del público.

Calificación: 3/5

 

 

 

 

Con el poster podemos comenzar a imaginar muchas cosas que terminan quedándose cortas con lo que ocurre en escena. Vimos la obra con Alejandra Briseño y con Maria del Carmen Felix alternando con América Gabriel.

Alejandra se transforma de delicada a segura de una forma lógica, un muy buen trabajo que se complementa con el trabajo de su compañera en turno que cada una es muy diferente.

América Gabriel es más dominante, mas masculina y deja saber su presencia a su compañera; mientras que María del Carmen juega más con su sensualidad y sexualidad que, bien sabemos, brota de sus poros. Es un “must” de esta temporada.

Calificación: 5/5

 

Fuí a ver esta obra en dos ocasiones ya que sentía que podía dar más y no me equivoque. La trama bien podemos decir que puede ser de “telenovela” pero no por ello deja de ser divertida e interesante. Los arreglos en las canciones son precisos y aunque algunas son predecibles en el momento de entrar, no deja de ser una rocola bien planeada.

Aplauso para Leslie Martinez y Majo Bernal que hacen que suba el sabor de la música y que le demos una mejor calificación tras una nueva revisión.

Calificación: 4/5

 

 

Reposición de esta increíble obra tras haber estado en Nápoles en la temporada 19; les dejamos la crítica aqui. Vimos a dos de los actores nuevos: Jorge Pliego y Tatiana del Real.

Jorge se pone muy cerca del trabajo que ejecutan en la misma obra Luis Fernando Peña y Carlos “Chicken” Muñoz. Hay ciertos detalles que ejecuta buscando hacer su versión que me gustan, mas no me encantan: cuidado.

Tatiana le da un giro completamente a la obra, pues cambian muchas situaciones al ser ella mujer. Muestra un gran sufrimiento en su actuación demostrando que la juventud nunca es pretexto para ser una actriz completa.

Marco Uriel firme tras haber dirigido en otras temporadas recientes, vuelve al escenario para demostrar porque lo galardonamos como el Mejor Actor de Teatro en Corto.

Calificación: 5/5

 

 

Dari Romo; promesa que se hace realidad

En mi labor como critico teatral gozo del privilegio de ver mucho teatro. Disfrutamos y sufrimos con diversas clases de textos, direcciones, productores, gente de prensa, foros y actores. Y es en este ultimo rubro, el de los actores, donde más me gusta ver el desarrollo que llegan a tener, como van evolucionando en su que hacer en el escenario, los diversos papeles que llegan a ejecutar y por supuesto la capacidad de hacernos creer y vibrar al filo de la butaca.

Hace un año fui testigo del debut en un musical de gran formato de Dari Romo. Para muchos el nombre era desconocido y realmente llamaba la atención por quienes son su familia: la dinastía de las Cortés; que viene desde mucho tiempo atrás, hasta su abuela (Doña Lolina), su tía (Laura Cortés) y su mamá (Lolita Cortes). En la obra enfrentó el reto de ser swing y cubrir diversos papeles dentro de la compañía, que iban desde tener texto o no, mero apoyo en el escenario o ser parte de la historia. La verdad a mi juicio lo hizo muy bien.

Este no era su debut formal, ya que anteriormente había realizado algunas cosas en Teatro en Corto, pero más como una forma de ir generando experiencia. A la par se ha ido preparando mediante la observación de las grandes maestras que tiene en casa y con cursos de baile, actuación y demás especialidades que requiere el actor. Ha participad también en la producción de El Ultimo Consejo de AzulTeatro.

El día de ayer (sábado 13 de mayo) fui testigo de su trabajo nuevamente en Teatro en Corto en la obra “Estar Contigo”. La obra es una joya, pero resalta el trabajo que logra Dari en la cocina de la casa al llevarnos por una extensa gama de emociones que hicieron que me olvidara por unos minutos de mi deber como crítico para volver a ser un espectador más al filo de la butaca (o banco en este caso). Lo que más resalto es que, si bien ha hecho muchas obras de formato breve, Dari nos deja ver que es una actriz multifacética que igual puede ser el guía de la historia, el soporte, una niña de 15 años, una fan loca, una bebe, una joven mujer enamorada, una borracha, una santa, una matada nerd, una bar tender, una niña que sufre bullying y mucho más.

Acaba de cumplir 18 años, tiene toda una vida y carrera por delante, tiene el apoyo de su familia. Tal vez lo único que le falta es pequeña promoción a dejar de ser “la hija de” a ser un artista que pueda convocar a prensa y publico por su simple calidad escénica. Se que muchas veces el verdadero actor de teatro no le gusta tanto esta parte de la promoción, sin embargo espero que quienes lean estas líneas consideren a bien ir a ver el trabajo de Dari para volver a conectar con sus sentimientos que en ocasiones tenemos tan olvidados.

Lo dije en el principio, uno de los privilegios que tiene el critico de teatro es ver mucho teatro; pero es un privilegio aun mayor poder ver el inicio y desarrollo de la carrera de una actriz que pinta para ser una de las mejores de México: Dari Romo.

 

Aventurera 2017 (Crítica)

24/3/17

Gerardo Quiroz es para mi un verdadero amante y aventurero del teatro. Ha trabajado durante muchos años haciendo teatro en diversos géneros; y hay que decirlo, no todas han sido puestas exitosas. Ha tenido momentos de gloria y otros donde debe sacar fuerzas de no se donde (y dinero) para llevar a buen puerto lo que el desea ejecutar y que piensa que va a gustar al público mexicano que se ha vuelto exigente y tacaño al momento de llenar las butacas de los teatros. Sin embargo el sigue y actualmente se ha asociado con el denominado productor del pueblo Juan Osorio para revivir una obra que generó una época: AVENTURERA.

Cuando esta obra fue la sensación su servidor era muy joven y nunca cruzó por la mente de mis padres el llevarme a ver esta obra. Cuando por fin tenía la posibilidad de verla, mi bolsillo no me lo permitió pues me tocó esos momentos donde parecía que importaba más el nombre en la marquesina que la obra como tal. Muchos me decían que era buena pero no como para cortarme las venas por no haberla visto. Sin embargo en noviembre nos hacían saber que volvía la obra que había marcado una época, con una nueva adaptación, con una revolucionaria propuesta escénica y con casi los mismos actores.

 

Lo debo de aceptar, yo fui de los escépticos, no por la actualización o por el escenario, sino por el elenco. Me tenían con dudas y más crecieron estas telarañas en mi mente al escuchar cosas no muy positivas por parte de las fuentes de espectáculos y al ser manchada por factores externos que no merecen más líneas en este espacio.

 

Cuando por fin tuvimos la oportunidad de ver la obra la verdad quedé muy sorprendido y es por eso que otra vez, en la madrugada se me apareció la musa de la escritura en forma de Susana González para traer a ustedes la crítica objetiva de lo que yo quiero llamar AVENTURERA 2.0
Carmen Salinas y Rafael Inclán son hilos conductores de la obra. Llevan el ritmo y son los más aplaudidos por el respeto y cariño que les tiene el público. Buena comedia política, muy a lo que me cuentan que hacían en la original, y sobre todo aplaudo el hecho de que se burle de ella misma con toda la polémica de su educación, su puesto en el Senado e incluso que use el escenario como su verdadero lugar de denuncia, desde su personaje, pero de una manera muy real. La segunda es muy bien llevada por Rafael Inclán que no cae en caricatura de gay y lleva un nuevo personaje en la adaptación al cariño del público.

 

Los galanes encabezados por “El Guapo” Mauricio Islas, Alexis Ayala y Ernesto Laguardia se vuelven el deleite de las mujeres presentes que muy probablemente caerían en sus redes si se descuidan. La alternativa es para Marcos Montero que se pone al tu por tu con cualquiera de ellos en el tema de presencia física, interpretación escénica y galantería; gran actor que espero brinque pues lo veo como el relevo generacional. Y aunque estoy hablando aquí de los caballeros de la obra, quiero resaltar al otro atractivo visual de la obra para los caballeros del público: Laura Vignattie es una bella argentina que deleita con su cabellera rubia y sus curvas de tentación. Solo le diría que se ande con cuidado y piense muy bien sus palabras y camino en el medio pues puede ser una promesa o una realidad.

 

 

 

Susana González es nuestra vedette moderna, por el simple hecho de que la palabra es para la actriz (y actriz así subrayado porque lo merece) principal de un show de cabaret. El papel de Elena debe de ser para una mujer que enamora a todos por el simple hecho de hacerse presente en la habitación y lo desempeña perfectamente en cada una de sus intervenciones. No es una gran bailarina, pero desempeña muy bien esta función arropada por un gran cuerpo de baile. Un cuerpo divino que sobre todo se ve natural y eso es algo que para los tiempos actuales se agradece y admira aún más. Hace una actuación perfecta evolucionando de niña inocente, mujer perra y, por supuesto, a ser una aventurera. Tal vez único detalle que creo debería mejorar un poco es el canto y eso con unas clases la haría aún mas perfecta.

 

 

 

Quiroz me re afirma un punto que ya le había comentado alguna vez, elige muy bien a los elementos del elenco de baile. Felicitación aparte para todos y todas pues se la rifan sobre las tablas y bajo el escenario al sacarnos a varios a bailar. Bellos vestuarios en ambos flancos y gran carisma de la mayoría. Yo me quedé con ganas de mi foto con todas y creo que sería una buena idea para la producción.

Calificación: 5/5

Listón Azul por elenco y escenografía

 

Lo que sí mejoren la cafetería del Auditorio Blackberry. Calidad contra precios no esta bien… fuera de eso corran a ver Aventurera. Esta obra dura aproximadamente dos horas y no cuenta con intermedio.

 

Horarios

Jueves 20:30 hrs

Viernes 19:00 y 21:45 hrs

Sábado 18:30 y 21:15 hrs

 

Cammy (SF) Vs Sonya Blade (MK) – Bazzinga

Para San Valentin uno siempre piensa en tener la mujer perfecta a su lado, y cada quien tiene la definición de ella en su propia mente, ojos y corazón. ¿Pero y si dos se pelearan a la muerte por uno? ¿Por que no pensar que ellas nos desean también? Más allá de la loca idea creo sería genial ver a dos bellas rubias pelar y por eso les dejo el video para San Valentin de esta batalla a muerte. ¿Cual es su favorita?

 

 

Y si no creen que este es un buen regalo para San Valentin, les dejo un par de fotos de mi cosplayer favorita Kristen Hughey con atuendos de las dos competidoras. ¿No sería perfecta para una buena película?

 

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